Literatura em vida 2

Poesia e língua, o enlace literário em Valéria Tarelho

2012-01-22T15:20:00.009-02:00

Eliane F.C.Lima

A paulista Valéria Aparecida Tarelho (1962) formou-se em Direito, mas, para sorte nossa, foi tomada pela poesia e passou a se dedicar a ela. Embora tenha começado a escrever em 2002, já tem um campo bastante fértil na Rede, participando dos índices de sites de peso, como o Germina Literatura (aqui), Escritoras Suicidas (aqui), Usina de Letras (aqui).
Além dos sites acima citados, seus poemas podem ser encontrados em Blocos On-line (aqui). Agradeço a tais espaços literários muito do que pude coletar.
Listo como principais sites de Valéria Tarelho, na Internet, Textura (link), Impura Poesia (link), só dela, bem como Proseares, com Sidnei Olívio (link), Poema Dia (aqui) e Poema Curta-metragem (aqui), cuja autoria divide com outros.

Vamos a seus poemas, que são o verdadeiro testemunho de uma escritora. Difícil escolha foi a minha, diante do material que “colhi” – como se fazem às flores – nos vários endereços da Rede, aos quais fui. Em cada um dos textos uma faceta nova se revelou. Depois da análise, porém, o depoimento dado por eles revela uma escritora que conhece profundamente sua língua instrumental. Valéria Tarelho é uma tapeceira que usa esses seus fios linguísticos como ninguém, conhece-lhes a textura, cada cor, a conveniência de cada uso. E o resultado tem sempre um duplo efeito: a revelação de um conteúdo pertinente, envolvido por uma forma que, em última análise, é a verdadeira natureza da poesia.

Parto

Valéria Tarelho

É hora
de içar as velas
e vê-las
(a) mar adentro
(gr) ávidas

O poema acima começa a desvendar o que foi dito sobre “uma escritora que conhece profundamente sua língua instrumental. Apropriando-se dos recursos que as escolas literárias têm desenvolvido por sua vida à fora – o jogo do timbre fechado/aberto e da rima rica de “velas”/“vê-las”, que fez a felicidade dos parnasianos, por exemplo –, foi muito mais além: aproveitando-se da possibilidade lúdica da alternância entre “mar” e “amar”, reforça o segundo termo ao trazer para o texto o vocábulo “grávidas”, que ultrapassa a apenas rima com “ávidas” e, sobrepondo as duas, cria uma terceira e cambiante promessa significativa. É importante, então, visualizar a beleza da imagem dessas velas rotundas pelo vento. O achado da construção é que há dois textos contidos em um só.

Vai idade

Valéria Tarelho

do espelho
ao espólio
é um piscar
de olhos

Deve-se chamar atenção, no poema anterior, além da exploração da proximidade de som e escrita entre palavras, para o fato de que o título, como em vários outros textos da poeta, inicia o campo significativo do poema. É importante se observar que, por um efeito paronímico com o título – semelhança na pronúncia/escrita entre palavras com significados diferentes –, o vocábulo “vaidade” acaba sendo trazido para o texto e seus significados, imbricados, antecipam a entrada do primeiro verso. O resultado é inesperado.

Causas naturais

Valéria Tarelho

overdose
de vaidade
na veia
:
a velha
meia-verdade
morreu
inteira

O título leva o leitor por um caminho que é abruptamente interrompido pela introdução da palavra “overdose”, obstaculizando-o com uma ideia de sentido contrário. Mas a ideia contida nesse sintagma “overdose, na veia”, de tanta intimidade com um leitor urbano, contemporâneo, acostumado aos já chavões midiáticos, se esvazia completamente dessa atualidade de mundo moderno e caótico em seus costumes e usos, para fazer apelo ao mais velho atributo humano, que deve ter vindo com o primeiro ser pensante e que o acompanhará à eternidade: a vaidade, que é, portanto, uma causa tão natural a esse ser. A beleza da poesia está, então, nessa inteligência criativa: do termo comum extrai-se o inédito, o surpreendente. Do momentâneo, a reflexão sobre o que é eterno no ser humano.

Resumo da ata

que o novo rompa
a casca do óbvio
e o poema gema às claras

o pio arcaico que canta de galo
não me leva no bico

O uso de expressões fossilizadas – “canta de galo”, “leva no bico” – , ao serem inseridas no poema, assumem, ao contrário do que se poderia supor, um grande efeito crítico, principalmente, quando são revitalizadas por expressões novas, de igual valor judicativo, embora sem abrir mão do poético, como “pio arcaico”.
Ainda vale a pena chamar atenção para a aparente brincadeira efetuada entre “gema” e “claras” que, introduzida por “casca”, poderia conduzir a leitura por uma isotopia – nível de leitura – completamente outra. Mas o emprego do “gema” verbo – surpreendemos aqui o aproveitamento da homofonia entre substantivo/verbo –, que acaba anexando sua dramática carga semântica, ultrapassa o puro exotismo do trocadilho. A brincadeira deixa de sê-lo justificando-se como um recurso sério e poético.

Viúva negra

Valéria Tarelho

para cada boca
que me sorve
sirvo
o mesmo veneno
vario
conforme o beijo
a dose de ar
cênico

A expressão “viúva negra”, no título, largamente conhecida, prepara um pantanoso terreno de enganos, em que poderá caminhar o leitor, agravado ainda pelos termos “veneno” e “dose” e pela homofonia que se estabelece entre “ar cênico” e “arsênico”, substância reconhecidamente tóxica, desde que não seja identificada a metáfora entre veneno e beijo e o significado do “cênico”, como relativo a uma representação teatral. Desse modo, valendo-se justamente de todo um campo semântico que faz parte do repertório de qualquer leitor comum, a expressão usada no título, no desabrochar do poema, agrega o significado de assassínio das relações humanas amorosas. Ainda aqui continua valendo a observação do domínio seguro e literário, por parte da escritora, das virtualidades da língua.

Abaixo, transcrevo alguns outros poemas de Valéria Tarelho, para simples fruição de seu talento, nesse domingo, o que não é pouco.

Ego

Valéria Tarelho

eis-me aqui
diante do espelho:
um nonsense
face
&
disfarce
eis-me aqui
um contra-senso
reflexo
&
avesso
eis-me aqui
ante meus versos:
uma antítese
imagem
&
miragem
a bem da verdade
reconheço o que viso:
um oásis de vaidade
pregando no deserto
eis-me aqui:
narciso
&
eco

Ballet do adeus

Valéria Tarelho

Na ponta dos pés
em meia ponta
gotas bailarinas
descortinam os olhos
interpretando
o adágio da despedida
Essas aves-meninas
cristalinas
rodopiam suaves
girando em fouetté
no tablado da face
Agonizando
olhos marejados
pelo corpo de baile
vejo-te ao longe
partindo no lago
protagonizando
a coreografia
do último ato

Origami

Valéria Tarelho

Numa tarde qualquer
o amei
Fui o papel espelho
que ele vincou
Ficaram em mim
as marcas desse atropelo
(e de seus dedos)
Enquanto fui só amor para dar
(e medo)
Ele apenas brincou
de me dobrar…

Danúbio azul

Valéria Tarelho

blues, ouvia
de vez em quando.
choro, todos os dias.
meses atrás,
dançava tango.
olhos azuis-siameses,
há mais de ano
a (en)cantam.
em compasso de espera
pelo toque do gato,
ela marcou passo
a três por quatro.
"straussada",
val
sou.

Um golpe de naja

2012-01-01T14:25:00.005-02:00

Para começar de forma radical o novo ano, vamos falar da escritora Branca Maria de Paula, que é mineira de Aimorés. Sua vida literária tem sido marcada pelas premiações, que tem recebido.
É graduada, porém, em Filosofia, tendo se especializado em Filosofia Contemporânea. Mas tem diversas atividades em outras áreas da cultura, tendo trabalhado no jornal Minas Gerais na parte literária e como fotógrafa, outra atividade sua. No cinema, tem participações como roteirista e corroteirista.
Na literatura, estreou em 1978, recebendo um prêmio na prestigiada revista “Status”, da época, embora seu conto - “Fundo Infinito” -, bem como o de Dalton Trevisan e Rubem Fonseca, tenha sido proibido e só publicado no ano seguinte, junto com os dos outros dois, em um encarte separado da revista. O texto deu nome a seu livro em 2005.
A escritora tem uma produção na literatura de poesia e uma bastante fecunda na literatura infanto-juvenil.

Se é mais divulgada sua ficção de feição erótica – a produção de uma mulher nesse campo, gera sempre curiosidade e um certo frisson, num mundo de predomínio de homens e que reserva a si essa parte da natureza humana –, não é apenas sob a sensualidade que são erigidos seus textos. E a linguagem, a forma de estruturar a narrativa, um não compromisso com a realidade palpável dão também um caráter peculiar aos contos de apelo ao carnal ou não. Vamos a alguns

Duas maneiras de ser feliz

Branca Maria de Paula

Esquizofrenizou-se às seis horas da tarde ao som da Ave-Maria, quando uns anjos lhe disseram que largasse tudo e fosse pro convento seduzir a pequena Flor-de-Liz, enquanto outros aconselharam que ela se dirigisse imediatamente ao shopping mais próximo e comprasse lingerie de cor vermelha – aquela com abertura coincidente com as aberturas de nascimento – e subisse lá pros altos da Avenida Afonso Pena que aí sim, ela estaria perto do céu.
Então Marilene deu dois passos pra frente, dois pra trás e ficou paralisada, ouvindo as vozes cada vez mais perto.

O enforcado

Branca Maria de Paula

A rua sobe em curvas pela montanha, em busca de ar fresco e horizontes abertos. Procura uma paisagem singular, distante dos prédios espremidos no miolo da cidade.
Cheia de flor e passarinho, a rua transpira sossego. Alguns gatos pulam de quintal em quintal, desafiando os muros altos.
A brisa da manhã sopra um friozinho bobo, que é melhor ignorar. Mesmo assim, o pé de madressilva estremece.
Um cão raivoso assusta os colegiais, que passam de mochila às costas.
Ninguém vê o corpo que oscila, na varanda da frente do moderno sobrado.

A deusa

Branca Maria de Paula

Comeu-o com muito gosto, estalando a língua e gemendo de prazer. Mas não o fez de maneira selvagem. Ao contrário, foi bastante cortês.
Comeu-o aos poucos, com requinte e sabedoria. Dispôs igualmente de todas as partes, sem rejeitar nenhum ossinho, por miúdo que fosse. Aproveitou tudo tudo, inclusive os dedos dos pés.
Sugou primeiro os lábios carnudos, suspirando delicado.
Quando mordiscava o lombo, gemeu alto. Ao chupar a coxa, quase perdeu a compostura.
Perdeu a compostura ao lamber as partes tenras. Sacrificou-o em grande estilo, arrancando-lhe as vísceras sem sombra de culpa ou tardio remorso. Mas o momento de gozo ela viveu ao devorar-lhe a cabeça.
Ele perdeu a pele, as carnes, ficou nu por fora e por dentro. E ela não teve dó. Arrebatara seu coração. Enfim.

O salvador

Branca Maria de Paula

Então ele me tocou e eu fiquei curada.
O véu da cegueira se rasgou e eu vi: o tisnado da pele, o veludo dos olhos. A saturação do melado: rapadura batida e rebatida, em calor absoluto. Os lábios exatos — café claro e duas pitadas de chocolate.
Lembro antílopes e tigres e esquilos.
Meu sorriso rompe o gelo, já não dói.
Meus membros vencem a crosta de gesso, já não sou uma estátua.
Abro as vidraças.
Ensaio passos de uma nova dança, ouvindo uma música que nem mesmo sei se existe.
Porque ele me assiste*.
* O verbo “assistir”, aqui, significa “acompanhar (alguém) na qualidade de ajudante ou assessor.”, conforme o dicionário Aulete digital.

Golpe de naja

Branca Maria de Paula

Eu nem perguntaria o nome dele.
Iria para um canto qualquer, um vão de escada e, na pressa, talvez fizesse em pedaços a camisa azul.
Minhas mãos aflitas procurariam o caminho e abririam o zíper enquanto eu esfregaria minhas tetas no corpo trêmulo e meteria a perna atrevida entre as pernas do homem, revolucionando os quadris.
Era o que eu pensava naquele carnaval, sentada com os outros em torno da imensa távola redonda, enquanto o macho ao lado, um perfeito estranho, corria a mão pela minha coxa e me lambia a cara com sua língua fogosa.
Não quis ver-lhe o rosto, não me virei, nada fiz. Apenas imaginava a cena e seus desdobramentos. O golpe de naja, o salto primitivo.
Então, num sobressalto, acordei.

No meio da palha

Branca Maria de Paula

Então ele me disse muito sério eu sou o lobo, mas eu não acreditei e fui logo chegando perto, chegando perto. E ele gritou não se aproxime, é perigoso e eu disse quem sabe sou eu, tem muito lobo falso por aí, deixa ver.
Mas eu sou o lobo sim, repetiu mostrando as garras.
Que nada, existe um monte de unhas postiças e rabos e orelhas, tudo de mentira. Quero ver de perto, respondi, sempre caminhando na direção dele e insistindo por favor, deixa ver se é de verdade, eu queria tanto encontrar um lobo – sabe como? – daquele que me comesse de roupa e tudo, de repente, entende? Assim, sem eu esperar. E que tivesse uns olhos grandes pra me enxergar de verdade, umas orelhas grandes pra me escutar de verdade e uma boca que pudesse me engolir inteira e uma língua que me lambesse toda como se eu fosse assim um pirulito e me derretesse como se eu fosse um sorvete até me deixar quentinha, molinha, sem conseguir fazer nada, nem mesmo gritar pedindo socorro, só gemesse baixinho na hora do susto. Um lobo assim vale a pena conhecer.
Que me esperasse atrás da moita e de mim fizesse gato e sapato, sem apelação.
Nem reclamar eu ia. Um lobo de braços grandes, pernas fortes, enorme, e que me colocasse na palma da mão. E que me mordesse sem dó, que me comesse sem piedade. Ah, isso anda tão difícil, nem sei se ainda acontece nos dias de hoje. O mundo mudou muito mesmo. Que me comesse aos bocados, soltando grunhidos de prazer pra floresta toda escutar e estremecer de inveja.
Fui falando assim, falando e me aproximando e notei que as orelhas dele tremiam, que o rabo murchou de repente e que baixou o focinho quando parei na frente dele. E também baixou as pálpebras, envergonhado, quando insisti em olhar ele nos olhos. Tentou ainda um gesto pra me deter. Abriu a boca, mas não conseguiu articular nenhum som. Deu foi um discreto passo pra trás, parecendo assustado.
Então resolvi mudar de tática. Estendi a mão e num gesto rápido arranquei-lhe as patas, as orelhas e o rabo. Comi aquele cordeirinho ali mesmo, no meio da palha, a poucos passos da casa da vovó.

xxxx

Quando da leitura, é interessante se atentar para o ponto de vista de mulher que os textos mantém, subvertendo, quase sempre a perspectiva tradicional de alguns temas: a clara inversão de valores do conto “No meio da palha” ou de “Uma deusa” – repare-se no verbo “comer” tão caro ao vocabulário masculino – inaugura um novo olhar sobre eles. Mais do que contos eróticos esses são contos de sublevação contra uma condição humana.

Obras individuais e de literatura para adultos
A mulher proibida – contos – 1980
Fundo infinito – contos eróticos - 2005

Tempos de paz

2011-12-23T18:58:00.003-02:00

Caras (os) amigas (os) visitantes,

Desejo a todas (os) a felicidade completa nas reuniões familiares que comemoram as festas de Natal e Ano Novo. Mas, principalmente, desejo que 2012 seja o ano da paz para todas (os) nós.
Eliane F.C.Lima

Astrid Cabral e a poética do espanto

2011-11-26T19:26:00.016-02:00

Eliane F.C.Lima

A poeta Astrid Cabral Félix de Sousa já teve alguns de seus poemas analisados neste blogue (aqui e aqui). No dia de hoje, a postagem focaliza a escritora, apenas, com pequena biobibliografia.
Astrid Cabral nasceu em Manaus, Amazonas, em 25-09-1936. Na adolescência, veio para o Rio de Janeiro, diplomando-se em Letras Neolatinas na UFRJ, embora tenha lecionado, nessa área, na Universidade de Brasília. Por concurso no Itamaraty foi Oficial de Chancelaria do Ministério das Relações Exteriores em cidades brasileiras, além de Beirute e Chicago.

Obras
Poemas
Ponto de cruz (1979); Torna-viagem (1981); Lição de Alice (1986); Visgo da terra (1986); Rês desgarrada (1994); De déu em déu (1998); Intramuros (1998); Rasos d’água (2003).

Ficção
Alameda (contos - 1963)

Nos textos da escritora aqui transcritos, dentre diversos outros aspectos destacáveis em sua obra como um todo, podemos perceber um sentimento de melancolia e assombro diante do percurso humano pela vida, que se derrama em dois temas que acompanham o caminho da literatura, de uma forma geral: a reflexão sobre a condição humana e a condição subjetiva de um eu lírico que se autoanalisa. Na beleza da construção poética dos textos a seguir podemos distinguir esse primeiro enfoque.

Herança

Astrid Cabral

Bênçãos e maldições vêm de, bem longe
embaladas em ovos, sangue e esperma
em arquivos que jazem sob a terra
lacrados chaves já perdidas no ontem.
Os vivos farejamos crus mistérios
e giramos perguntas parafusos
que mal roçam a cútis dos arcanos:
o olhar terá nascido no jurássico?
o tom de tez e voz será adâmico?
de quem decorre esta imprevista
herança
de sermos o que, bem ou mal nós
somos?
Família, amor, jogo de sexo e espelhos
por onde assim perplexos nos lançamos
ou, dizendo melhor, lançados fomos.

A silepse de pessoa (desvio de concordância que consiste em relacionar um elemento da frase ao que está implícito e não ao que está explícito), em “Os vivos farejamos crus mistérios”, consegue esse efeito de reunir toda uma espécie de seres – os vivos – a um indivíduo determinado – um eu entre nós –, fazendo-os todos “perplexos” diante da inexorabilidade de uma herança, de um destino – “será adâmico?” – incontrolável: “lançados fomos”.

Metamorfose

Astrid Cabral

Ainda nos chamam
pelos mesmos nomes.
Acaso seremos os mesmos
ou é a cegueira alheia?
Éramos formosos
afortunados donos
de sesmarias de sonhos.
Tínhamos frescor de frondes
ímpetos de fontes e fogos
destemor de duelos, dúvidas
que não machucavam quase.
Éramos potros selvagens
farejando precipícios
pelas pastagens do mundo.

No curral ainda nos sobra
a noção do tesouro perdido
e essa ração de memória
é a esmola que nos cabe.

Em “Metamorfose”, pode-se identificar, ainda, a mesma emoção diante do condicionamento inelutável da vida humana, que condena os sonhos, que apaga as esperanças. Se no poema anterior o sentimento era de perplexidade, no segundo, tudo se transforma em um “tesouro perdido”.

Resíduos

Astrid Cabral

Varre-se a alma
mas entre as gretas
sempre resta
estática poeira.

Jamais devolverás, memória,
a juventude em carne e osso.
O que nos sobra além de fotos
é carne mumificada sem sangue
sem esperança e sem alvoroço.

Dias de sol
e fomos espigas.
Hoje não somos
mais que sabugos.
Onde os grãos?

O poema “Resíduos” retoma o texto anterior, resume-lhe a primeira estrofe nos versos “Dias de sol/ e fomos espigas.”, mas parece negar a última esperança alimentada na última estrofe daquele: “Jamais devolverás, memória,/a juventude em carne e osso.”
No poema “Calamidade”, transcrito abaixo, embora haja uma aparente concretude e cotidianidade no título e no tema – “contidos em urbanas paisagens/eles encharcavam/ não só os chinelos de lama” –, volta a sensação de assombro em “a alma também de espanto”, diante das perenes e cíclicas circunstâncias humanas, mesmo esquecidas por todos. “Antepassados/das chuvas dilúvio” torna a retratar o mesmo ser humano do princípio, jurássico, adâmico.

Calamidade

Astrid Cabral

Águas na sala! Peixes nos quartos!
Quem entenderia?
Degredados das paisagens
contidos em urbanas grades
eles encharcavam
não só os chinelos de lama
a alma também de espanto.
Todos esquecidos
dos troncos derrubados
dos leitos rasos – antepassados
das chuvas dilúvio.

Os três últimos poemas apresentam um olhar subjetivo de um eu lírico, sua individualidade. Mas o sentimento que prevalece nesses poemas ainda é de inadequação diante da vida, ecoando, assim, a mesma inadequação ôntica retratada nos textos anteriores. O coração couraçado e “os cachorros/que uivam em horas de raiva” são a mesma defesa diante dessa realidade.

Coração couraçado

Astrid Cabral

Tempestades em oceanos
ou em copos d'água
e não peço a Deus balsas
barcaças nem praias.
Só um coração couraçado.
Desses que no lombo
das ondas vão sem tombos
o convés em festa
Iluminado.

Cave canem

Astrid Cabral

Dentro de mim há cachorros
que uivam em horas de raiva
contra as jaulas da cortesia
e as coleiras do bom senso.
Solto-os em nome da justiça
tomada de coragem homicida.
Mas sabendo que raiva mata
à míngua de tomar meus cães
vacinei-os. Ladrem mas não mordam
e caso mordam, não matem.

O último poema singulariza, finalmente, a possibilidade de metamorfose do ser humano. Nele, esse ser repete seu destino e encerra sua perplexidade.

Transitória

Astrid Cabral

Enquanto

folhas folham
árvores arvoram
e o dia irradia

sigo

figo

no ramo da tarde.

Até que a noite anoiteça
o fruto apodreça
e na terra em fome

tombe

sem alarde.

Aguardo quem visita este blogue em meus outros dois: Poema Vivo (aqui) e Conto-gotas (aqui).

O diálogo poético de Neide Archanjo e seus pares

2011-11-06T12:19:00.007-02:00

Eliane F.C.Lima

A escritora que será apresentada hoje – Neide Archanjo (1940) –, poeta, psicóloga e advogada, embora tenha nascido em São Paulo, mora atualmente no Rio de Janeiro. Recebeu, em 2005, o prêmio de poesia da Academia Brasileira de Letras e participou de vários eventos de promoção da poesia.
Hoje, conheceremos alguns poemas seus, mas, adiante, ampliarei esse estudo, despertado pela intertextualidade – textos que remetem a outros -, pois sua obra, às vezes, leva a de outros autores.
O primeiro poema é metalinguístico, ou seja, usa uma linguagem para refletir sobre essa própria linguagem: o tema eterno da reflexão sobre o ato criativo, que surge em quase todas (os) as (os) escritoras (es).

Da poesia

Neide Archanjo

Esculpo a página a lápis
e um cheiro de bosque
então me aparece.
Que a poesia é feita de romãs
daquilo que é eterno
e de tudo que apodrece.

Os recursos utilizados são bastante peculiares. De início, o vocábulo “esculpo”, inerente a outro tipo de arte, imprime, nesse ato criativo, possibilidades outras, quase uma terceira dimensão, que chega a ser palpável. Na verdade, essa tridimensionalidade se enriquece com a ideia de “bosque” e “cheiro”, que vão além da impassibilidade de estátua, inaugurada pelo verbo inicial. Aparece a dinâmica, a vida na natureza, enfim.
A imagem “a poesia é feita de romãs” retoma essa vida da natureza, citada acima, tornando o ato literário quase um prazer sensorial.
Mas, como queria o movimento modernista, o texto indica que a poesia pode conter qualquer elemento, desvestindo-a da sacralidade que pretendiam os movimentos estéticos anteriores a 1922, aproximando a criação poética do humano: “daquilo que é eterno/e de tudo que apodrece.”

Os dois poemas seguintes de Neide Archanjo remetem, embora não explicitamente, a poemas de outros autores. Vejamos.

Neste mezzo del cammin

Neide Archanjo

Neste mezzo del cammin
carrego comigo obras e cânticos
alguns alheios outros próprios
coisas que escolhi.
Entre vogais e vocábulos
componho a biografia
construção sonora de rostos
reflexos sentimentos
tão grande tão grandes
uns rindo como gralhas
outros mansos
todos não perdidos
pressentida romã entreaberta
assim esta memória existe.
Vou como o discípulo
de um velho pintor chinês
que curvado sob o peso de pincéis
potes de laca
rolos de seda e de papel arroz
sonhava carregar montanhas rios
falcões reais
e se assim sonhava
certamente assim o fazia.

O termo “neste”, junto a “mezzo del cammin” (em italiano, “meio do caminho”) nos faz pressentir que há um outro, o que se torna quase uma certeza, quando lemos adiante “carrego comigo obras e cânticos/ alguns alheios...”: Dante Alighieri, poeta italiano autor de A divina comédia, começa sua obra com “Nel mezzo del cammin di nostra vida...”. Estar no meio do caminho, da vida, supõe-se, é ter um passado – “assim esta memória existe” – e se imaginar um futuro - “Vou como o discípulo/de um velho pintor chinês”. E, como o “velho pintor chinês”, sonhar e fazer.
Um outro poeta, do final do século XIX, Olavo Bilac, já usara o mesmo verso dantesco, para, num inspiradíssimo soneto, assinalar um período da vida de dois amantes.

Nel mezzo del cammin...

Olavo Bilac

Cheguei. Chegaste. Vinhas fatigada
E triste, e triste e fatigado eu vinha.
Tinhas a alma de sonhos povoada,
E a alma de sonhos povoada eu tinha...

E paramos de súbito na estrada
Da vida: longos anos, presa à minha
A tua mão, a vista deslumbrada
Tive da luz que teu olhar continha.

Hoje, segues de novo... Na partida
Nem o pranto os teus olhos umedece,
Nem te comove a dor da despedida.

E eu, solitário, volto a face, e tremo,
Vendo o teu vulto que desaparece
Na extrema curva do caminho extremo

Abaixo serão postados dois poemas. Um, de Manuel Bandeira, antecederá o da poeta aqui focalizada, pois a sua leitura alarga e aprofunda o entendimento e o alcance poético do texto da escritora, que vem depois.

Profundamente

Manuel Bandeira

Quando ontem adormeci
Na noite de São João
Havia alegria e rumor
Estrondos de bombas luzes de Bengala
Vozes, cantigas e risos
Ao pé das fogueiras acesas.

No meio da noite despertei
Não ouvi mais vozes nem risos
Apenas balões
Passavam, errantes

Silenciosamente
Apenas de vez em quando
O ruído de um bonde
Cortava o silêncio
Como um túnel.
Onde estavam os que há pouco
Dançavam
Cantavam
E riam
Ao pé das fogueiras acesas?

— Estavam todos dormindo
Estavam todos deitados
Dormindo
Profundamente.
*
Quando eu tinha seis anos
Não pude ver o fim da festa de São João
Porque adormeci

Hoje não ouço mais as vozes daquele tempo
Minha avó
Meu avô
Totônio Rodrigues
Tomásia
Rosa
Onde estão todos eles?

— Estão todos dormindo
Estão todos deitados
Dormindo
Profundamente.

Profundamente

Neide Archanjo

Estão todos sentados esta noite.
Estão todos sentados.

A velha mesa respira
mas nadas se aquieta.

Estão todos sentados
mortos e sentados.

E este amor não basta
para carpir os beijos os nomes
os retratos.

(O vocábulo “nadas” está grafado de acordo com todas as cópias encontradas na internet. Não havia uma cópia impressa em mãos. Imagina-se que seja uma oposição intencional a “todos”. Não se pode justificar, segundo a gramatica, entretanto, o verbo “aquieta” no singular.)

Vejo, inclusive, que o conhecimento do texto do poeta justifica o uso do advérbio “profundamente” no título do segundo poema, que, me parece meio vazio gramaticalmente ali. No texto de Bandeira, o advérbio em questão desempenha seu papel gramatical tradicional ao se referir ao verbo “dormindo”, em dois momentos, porém alterando-lhe o sentido, na última estrofe, pois lhe acrescenta a conotação de morte.
Se, no texto da poeta, a palavra “mortos” não deixa dúvidas, o jogo que faz com “sentados” em oposição ao “deitados”, no texto de Bandeira, só se esclarece, quando quem lê se depara, finalmente, com “retratos”. Então, no texto segundo, todos os que estão sentados no retrato também estão “dormindo profundamente” “esta noite”. Há, portanto, uma ligação bastante forte entre os dois textos.
Em 1998, a poeta lança um CD com suas poesias lidas onde há a participação da cantora Maria Bethânia, que empresta sua voz especialmente forte e linda ao texto da outra. Veja o vídeo abaixo. Agradeço ao site YOUTUBE (aqui).

OBRAS:

Primeiros ofícios da memória (1964); O poeta itinerante (1968); Poesia na praça (1970); Quixote tango e foxtrote (1975); Escavações (1980); As marinhas (1984); Poesia 1964 a 1984 (1987); Tudo é sempre agora (1994 – indicado ao prêmio Jabuti); Pequeno oratório do poeta para o anjo (1997); CD coleção Poesia falada, v. VI, “Neide Archanjo por Neide Archanjo”, com participação de Maria Bethânia (1998); Epifanias (1999).

Aguardo sua visita em meus blogues Poema Vivo (aqui) e Conto-gotas (aqui).

A literalidade do cotidiano - Possibilidades em Adriana Lisboa

2011-10-16T14:52:00.006-02:00

Eliane F.C.Lima

Sonho

Adriana Lisboa

Ele conta o sonho que teve com ela. Chegavam numa padaria. Fome. Cheiro de pãozinho fresco. Ainda demora a sair?, ele pergunta. Não, na verdade acabou de sair. Então vê dois pra gente, com manteiga.
Ele conta o sonho e sorri.
(Caligrafias – Rio de Janeiro: Rocco, 2004)

Inicialmente, remeto quem visita a minha postagem anterior sobre a escritora, onde posto alguns dados sobre ela (link). Hoje escolhi uma narrativa de um de seus livros.
Faço aqui, pelo menos, duas leituras possíveis do texto, voltando a citar a Teoria da Recepção, que atribui ao leitor um papel importante no significado do texto. Seu horizonte de expectativas é parte importante da fundação desses sentidos.
Minha estratégia foi procurar os dois significados principais para o vocábulo “sonho”, conceitos adaptados do dicionário de Caldas Aulete, aplicando cada um à narrativa:
1.Ação ou resultado de sonhar, enquanto se dorme.
2.Desejo intenso e constante, aspiração ou imaginação sem fundamento, sequência de ideias vãs e incoerentes às quais o espírito se entrega.

O primeiro significado levaria a uma leitura mais linear do texto. Mas o sonhar com um acontecimento cotidiano, permite ainda uma visão poética da rotina, o relacionamento bem-sucedido de duas pessoas que pode se concretizar até na ingenuidade do dia a dia. A felicidade no simples. O final do texto confirma isso.
Porém há a possibilidade da palavra “sonho”, no título, diferentemente do que parece apontar no texto em si, conter o segundo significado. Nesse caso, nesse sonho, o “chegar a uma padaria”, “o pãozinho fresco”, o “com manteiga” podem pertencer, não ao universo da rotina, do dia a dia, do simples, mas ao universo do “desejo intenso”, da “imaginação sem fundamento”, à “sequência de ideias vãs” e, nesse caso, ficaria a pergunta: que tipo de casal – em que situação vivem –, para o qual “pão com manteiga” se torna o objeto do desejo impossível de se realizar? O “sorrir” agora, diversamente da leitura anterior, que apenas se comprazia com um sonho divertido e simpático, se reveste do sentimento de preenchimento pelo sonho para uma necessidade diante do vazio da realidade.
Devo chamar a atenção de quem lê, no entanto, que as virtualidades interpretativas estão no texto e partem dele. As possibilidades de leitura não pertencem à imaginação livre do olhar receptivo, tendo o processo de entendimento do texto, ao contrário, um movimento de bumerangue: partem do texto – estão latentes nele – em direção de quem lê e voltam ao texto. Conhecer os vários significados de um termo, por exemplo, levam à sobreposição de sentidos de uma narrativa. Convido a (o) visitante a, abalizadamente, encontrar o seu próprio percurso.

Aguardo a(o) visitante em meus blogues Poema Vivo e Conto-gotas.

A poesia forte de uma dramaturga: Renata Pallottini

2011-09-25T19:45:00.004-03:00

Eliane F.C.Lima

Poética (II)

Renata Pallottini

Descer até o fundo
e quando o sentimento
esteja o mais maduro

provocá-lo e feri-lo
para que a voz aflore

mas sem meias-medidas
sem cautela e sem pena:
assim o Poema.

O metalinguístico texto acima, confissão poética, é de Renata Pallottini (São Paulo, capital – 1931), formada em Direito, Filosofia e Dramaturgia, área em que deu aulas e exerceu intensa atividade, quer em teatro, quer em televisão, e, através da qual ficou realmente conhecida: para o primeiro escreveu, junto com Chico Buarque de Hollanda, o espetáculo “Pedro Pedreiro”, por exemplo, e para a segunda “Malu Mulher”, “Joana” e “Vila Sésamo”. Mas também publicou muitos livros de poesia:

Acalanto (1952); O cais da serenidade (1953); O monólogo vivo (1956); A casa (1958); Nós, Portugal (1958); Livro de sonetos (1961); A faca e a pedra (1965); Antologia poética (1968); Os arcos da memória (1971); Coração americano (1976); Chão de palavras (antologia –1977); Noite afora (1978); Cantar meu povo (1980); Cerejas, meu amor (1982); Ao inventor das aves (1985); Esse vinho vadio (1985); A menina que queria ser anja (1987); Praça maior (1988); Obra poética (1995); Chocolate amargo (2008).

Nosso enfoque, aqui, obviamente, será sobre sua marcante poesia, na qual prova sua versatilidade artística e seu talento inconfundível. A reflexão sobre a dor humana e o imponderável de sua condição se derrama a cada verso de seus poemas.

Finisterrae

Renata Pallottini

Aqui começa o fim
Feito de vento.

Enlouqueceu a bússola
Do tempo.

Naufragam as certezas
Do infinito.

Aqui se acaba o mapa
Nasce o mito.

Aqui começa a morte
Em naves findas .

Aqui começa o medo.
Como um grito.

Como muitas outras escritoras, o que já foi tema de análise neste blogue a respeito de Cecília Meireles (vale a pena conferir aqui), a poeta se vê diante do dilema do tempo. E surge, exatamente como em Cecília, o íntimo compromisso do termo “vento” com tal abstrata e dúbia dimensão.
Como naquela poeta, ainda, se percebe o embricamento de tempo/espaço, introduzido pelos vocábulos “bússola” e “mapa”, objetos de orientação espacial, aqui acrescidos do outro significado.

Como foi argumentado para o estudo sobre Cecília, pressente-se uma diferenciação entre “tempo” e “eternidade” (infinito) – “Naufragam as certezas/ Do infinito.” – e, se está o primeiro aderido à ideia de matéria e, portanto, à sua finitude – “Aqui começa a morte/ Em naves findas.” – é o “mito” que garante o encontro com a segunda.
O texto abaixo caminha por passos semelhantes.

Lamentação dos filhos

Renata Pallottini

Do infinito nascemos
para um termo preciso.
De infindas, as penas,
de vago, o aviso.

Nados mornos, frágeis,
de entre dois gemidos.
Quando a morte, a eterna?
Quando o Conhecido?

Que isto já nos cansa,
a nós, os malformados,
desde a distante infância
frutos destinados.

Somos os que a vida
fez limite amargo.
De infindas, só as penas,
de vago, o aviso vago.

Lágrimas na cadeira do dentista

Renata Pallottini

Não, não é o dente que dói.
Não, o motor não incomoda.

Não me doem os dentes
mas quem morde.

Nunca o que dói é o aparente
senão o outro, de outra ordem
o oculto na cárie da vida, o tártaro
dos ossos ,
na intempérie incisiva da dentadura mole.

Nunca o que dói, doutor,
é o que fazem as máquinas,
senão
o humano dessas brocas
os buracos
da alma.

Ponha ouro, doutor,
e seja lá o que possa
morder o dente, ávido de amor,
a conta, ao fim, é nossa.

As metáforas construídas por Pallottini, no poema, anterior, para traduzir esse sofrimento inevitável – “os buracos/ da alma”, “o oculto na cárie da vida” – do ser humano no acerto com seu destino – “a conta, ao fim, é nossa.” – são uma marca original de sua linguagem poética.

Por último, seria imperdoável não postar o belo poema que consegue o efeito de envolver o extremo erótico na sutileza pictórica obtida pelo apelo à delicadeza de uma fruta que carrega, em si, do imaginário social e literário, a pureza da ausência do erótico.

Cerejas, meu amor

Renatta Pallottini

Cerejas, meu amor,
mas no teu corpo.
Que elas te percorram
por redondas.

E rolem para onde
possa eu buscá-las
lá onde a vida começa
e onde acaba

e onde todas as fomes
se concentram
no vermelho da carne
das cerejas...

Visite também meus blogues Conto-gotas (aqui) e Poema Vivo (aqui).

A delicada lira de um Gonzaga, o poeta de Lavínia

2011-08-28T12:46:00.023-03:00

Eliane F.C.Lima

O poeta e professor Luiz Gonzaga da Silva me foi apresentado por outra poeta, Francisca Júlia, morta em 1920, por cujo nome ele procurava em pesquisa na Internet. Chegou a este blogue e encontrou a postagem que fiz sobre ela em 05-01-2010. Contatou-me e nasceu uma correspondência e admiração de minha parte por sua produção poética, que ele fez a gentileza de me enviar e autorizar para a presente publicação.
O professor Luiz Gonzaga da Silva é Mestre em Letras pelo CESJF e Professor Titular de Literatura Brasileira e História da Arte nos Cursos de Letras e de História da FAFISM, a Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras Santa Marcelina, de Muriaé, em Minas Gerais, onde reside há muitos anos. A par de seus poemas, há também uma produção acadêmica pela qual é responsável.
Tive de fazer uma difícil seleção entre seus poemas dedicados à cidade natal, Guarani, produzidos pelo olhar saudoso de um adulto para sua infância e juventude, publicados em três livros abaixo relacionados. Neles, se destacam os lugares sacralizados pela memória dessa cidade, por onde caminhamos através de sua linguagem lírica. A recuperação desses locais pela imaginação poética faz o leitor, então, se envolver em um caminho mágico, porque mnemônico, longe da realidade, que nunca é o objetivo daquele que busca seu lugar idealizado. Que importa a pequenez da realidade diante da grandeza do sonho?
E todos esses cantos estão povoados pelas personagens que viveram e falaram e coloriram, transitoriamente, mas para sempre na lembrança daquele que revive, um lugar e um tempo do passado, mas eterno no presente.
É bom ser citada a linguagem especial para construir esse ambiente relembrativo, que me trouxe de volta Manuel Bandeira, outro poeta, sua palavra sabiamente lírica, porque simples, ambos atingindo o preciso e o poético, justamente por acharem o valor exato na fuga ao preciosismo.
Quero chamar a atenção, antes de irmos para os poemas, que tentei manter, o mais próximo que pude, a diagramação dos poemas nas obras, o que nem sempre foi possível, limitada que estou pela fixidez dos recursos do blogue. Tive de abrir mão de dois poemas magníficos por este motivo.

(Des) pedaços

Luiz Gonzaga da Silva

Fico a procurar
pedaços de mim,
pelas ruas
da cidade amada,
onde andei.

(Encontro-me aqui e ali
e os junto com amor
costurando-os com
a linha da saudade.)

Frankenstein de hoje,
vejo, ao final,
ter alivanhado
só pedaços do que fui.
Choro sem saber por que.
E me desfaço, novamente,
nos pedaços que juntei,
atirando-os ao fundo do Pomba,
que os levará

– quem sabe? –

ao mar sem fim

sem lembranças

ao mar, ao grande mar...

(2003)

A pracinha, às 20 h

Luiz Gonzaga da Silva

Uma que outra luz
invade o escuro aconchegante
da pracinha.

Não há ninguém por lá.
As casas enfurnam
pessoas e novelas.
O coreto – iluminado –
está lá, perplexo,

– vazio –

parece um útero inútil,

sem serventia.

Há silêncio e estranhas sombras
à volta dele.
Nem um carrinho de pipoca
nem um grito de criança
apenas uma placidez inconfortável
de imobilidade estática...

(E a noite. A noite. A noite.)

(2003)

Cansaço de Chronos

Luiz Gonzaga da Silva

Neste frio mês de julho,
cá no bar do Zanovelli,
tomando uma cervejinha,
sinto o tempo decrescendo,
como um velho, com chinelos.

Até as nuvens do céu,
aqui, neste Guarani,
são lerdas, por sob o azul.

Será que o tempo parou?
Ou o céu que descorou?
Será que o vento cansou?
Ou o sol, que desmarelou?
Ou foi Deus que bocejou?

Vejo, observo, sinto
haver um cansaço em tudo.

Me recolho, quase mudo,
neste silêncio felpudo,
de miúdas lembranças
que o tempo, já tartamudo,
aprofundou
dentro de mim.

(2006)

As cartas não mentem, jamais!...

Luiz Gonzaga da Silva

A Maria da Sá Zinha
punha cartas.
Lia a vida da gente,
sobre muletas,
altiva.

(Quanta gente
saiu de lá, capenga,
quase a rolar,
escorregando,
no

Morro

das

Pedrinhas... )

(2008)

Mas nosso poeta, introduzido, talvez pelo destino do nome Gonzaga, que o levou ao Tomás Antônio, do século XVIII, arcádico, e à sua Marília de Dirceu, dedica seus poemas a uma Lavínia, que lhe frequenta a imaginação poética. Aqui a linguagem, de uma delicadeza amorosa, alcança a mesma precisão dos poetas daquele tempo, cansados do requinte e volteios do Barroco. Fazer uma seleção foi quase uma dolorosa e impossível escolha, porque flutua o encanto de uma voz enamorada, enamoradoradamente tomado também o leitor. De forma bastante subjetiva, me encantei com os textos.

Chegança

Luiz Gonzaga da Silva

Reparaste, Lavínia,
reparaste a tarde?
Tão cinzenta,
Lavínia,
tão cinzenta...

(De repente,
o sol.)

Sabes bem
a hora de chegar...

(2007)

Gosto de domingo

Luiz Gonzaga da Silva

Tens gosto
tão gostoso
de domingo,
Lavínia!

Me deixa
Lavínia,
me deixa
descansar-me
em ti.

(2007)

Compra

Luiz Gonzaga da Silva

Lavínia,
tesouro meu,
moedinha minha,

te tento comprar
com a poesia.

Concordas?

Me sinto feliz.
(2007)

Possessão

Luiz Gonzaga da Silva

A tua dimensão,
Lavínia,
é azul.
És assim
como uma rosa-dos-ventos
desfolhada.
Sul-oeste,
norte-leste
do céu
em minha vida.

Direções totais em ti,
Lavínia.

Me perco em ti,
Lavínia,
e te possuo
em cada ponto
cardeal.
(2007)

Como o visitante percebe, a poeta Francisca Júlia nos abençoou, lá onde está. Aguardo outros poemas que estão sendo escritos, promessa feita a mim por Luiz Gonzaga da Silva, que, sem o menor pejo, evidentemente, cobrarei.

Obras literárias

Poemas

Idas e vindas. Muriaé: 1. Gonzaga da Silva, 2003;
Idas e vindas II: um olhar sobre a cidade amada. Muriaé: Vanguarda Gráfica, 2006;
O livro de Lavínia. Muriaé/Juiz de Fora: Templo, 2007;
Nem idas nem voltas: desvoltas. Muriaé/Juiz de Fora: Templo,2008.

Poemas para crianças
Criancices; poemas infantis. Muriaé/Juiz de Fora: Templo, 2008/2009;
Chinfrim:versinhos de brinquedo. Muriaé: Do autor, 2011.

Convido quem me visita a ir a meus outros dois blogues Poema Vivo (link) e Conto-gotas (link).

"Brasil feminino"

2011-08-07T15:20:00.008-03:00

Eliane F.C.Lima

Fui visitar a exposição “Brasil Feminino”, na Biblioteca Nacional, que continua a comemorar seu aniversário de 200 anos de criação e 100 no prédio da Avenida Rio Branco. A exposição, cujos responsáveis declaram não ter intenção sexista, é bastante interessante, porque focaliza a ascensão das mulheres em todos os setores, passando por Menininha do Gantois a Dilma Roussef, analisando as circunstâncias das mulheres desde os séculos anteriores ao XXI.
Mas não se deixa de manter a posição crítica, no encaminhamento, ao serem exibidos jornais de época como, por exemplo, o assassinato da jovem Aída Curi, que morreu por despencar do alto de um edifício de luxo, onde subira, atraída por dois jovens bem colocados na vida, violência que não perdeu sua força e que continua a ser uma constante até hoje.
A exposição utiliza, como mecanismo de comunicação com o público e comprovação dos fatos, jornais, revistas e toda e qualquer publicação de época. A diversidade do que é exposto é bem atraente para o visitante.
O que me chamou bastante a atenção, no entanto, foram vários estandartes, dispostos como uma cortina a separar dois ambientes, onde ditos e quadrinhas populares, transcrições de trechos de artigos de livros de séculos anteriores, que, de uma forma resumida, mas contundente, dão testemunho do pensamento dominante, no passado, a respeito das mulheres, suas funções e direitos, pensamento que, como se vê sobre o número atualmente crescente de acontecimentos violentos em relação a elas, parece não ter mudado tanto assim.
Em várias dessas transcrições, pude observar a constante de se enunciar que a educação feminina era um fator em que se deveria colocar bastante cuidado. Às mulheres deveriam ser ensinadas, exclusivamente, noções que as tornassem competentes como donas de casa e mães. E o que me pareceu mais claro: a educação redentora, aquela que leva as pessoas a se tornarem críticas, com capacidade analítica deveria ser evitada para essa parcela da população, a todo custo, como um mal corruptor. Uma das frases populares dizia algo mais ou menos assim: “Não confie em mula que faz 'hiiimmm', nem em mulher que fala latim.” Claro que a equiparação da mulher ao explorado e “desimportante” animal não é por acaso e que a expressão “latim” aparece ali, tão somente, como sinônimo de cultura e erudição, traduzindo uma mulher que fosse capaz de se expressar com profundidade, perceber o tipo de vida a que era condenada e, finalmente, defender-se, o que a tornaria não confiável. Isso desestabilizaria uma cultura patriarcal, cujo principal sustentáculo era a opressão dos outros segmentos.
Saí da exposição com a certeza de que a educação é redentora, certeza que eu já tinha, revigorada. A cultura popular lá dentro, ao temer o crescimento das mulheres sob essa batuta, mostra que é sabia.

Já estou postando também em Poema Vivo (link) e Conto-gotas (link).

Arriete Vilela - a poesia do irrevelado

2011-07-03T09:40:00.016-03:00

Eliane F.C.Lima

“Pedem-me notícias de mim./Eu as dou assim:/em versos/que me desmentem.” Essa é a estrofe final do “Poema 13”, da escritora alagoana Arriete Vilela, que teve sua obra analisada em Transparências da memória / Estórias de opressão, estudo da professora Angélica Soares (UFRJ), junto a outras escritoras, pelo conteúdo de seus textos e, ainda, por seu talento poético, o que o leitor deste blogue comprovará a seguir.
Professora aposentada da Universidade Federal de Alagoas, onde trabalhou com a autoria feminina na Literatura Brasileira, foi eleita para a Academia Alagoana de Letras em 1996. Sua obra recebeu inúmeros prêmios, por lhe reconheceram a importância, como o da União Brasileira de Escritores do Rio de Janeiro, em 2002.
Atualmente edita o blogue “A poesia nas entrelinhas da vida” (link), de onde foi copiada a foto que ilustra a postagem.

Obras (poesia e ficção):
Eu, em versos e prosa (1970), 15 poemas de Arriete (1974), Recados (1978), Para além do avesso da corda (1980), Pequena história da meninice e outras estórias (1981), Remate (1983), Fantasia e avesso (1986), Farpa (1988), A rede do anjo (1992), Dos destroços, o resgate (1994), O ócio dos anjos ignorados (1995), Tardios afetos (1994), Vadios afetos (1999), Grande baú, a infância (2003), Frêmitos (2003), A Palavra sem Âncora (2005), Lãs ao vento (2005), Ávidas paixões, áridos amores (2007), Obra poética reunida (2009).

Poema 13

Arriete Vilela

Pedem-me notícias de mim.
Eu as dou assim:
em versos.

Há tempos não permitia que pedras
rolassem com o limo macio
das palavras.
Eu usava arpões
para não fisgar as minhas fragilidades.

Mas, porque me pedem notícias de mim,
eu as dou assim:
em versos.

Uso a máscara dos antigos bailes
e danço ao som de um clarinete
que sempre imaginei ser do avô.

(O avô - ah, os equívocos da infância! -,
o avô tocava bumbo.)

Porque me pedem notícias de mim,
confidencio afetos em palavras que os contradizem,
em excesso de murmúrios,
já que as tardes concretas silenciaram os meus antigos
(des)amores.

Pedem-me notícias de mim.
Eu as dou assim:
em versos
que me desmentem.

(Ávidas paixões, áridos amores - In: Obra poética reunida)

Poema 42

Arriete Vilela

Pensas encontrar-me aqui
nestes versos?

Enganas-te.

Os pássaros da poesia semeiam
miolos de pedra
a cada linha, para que tropeces nas entrelinhas.

E se buscas pistas de alguém
aqui, nestes versos,
desiste - ou não sairás do labirinto,
e os minotauros pisotearão a tua cabeça
- cruamente, sem simbolismos.

Pensas encontrar-me aqui
nestes versos?
Não te iludas.
Teu voyeurismo te deixará para sempre
no encalhe da maré,
pois fechadas a ti estão as entradas do rochedo:
ele, vigiado pelas borboletas
elas, tecidas por Aracne.

(In: Obra Poética Reunida)

Nos dois primeiros poemas postados, a poeta estabelece a relação de um eu enunciador com a poesia. Essa relação, no entanto, parece indicar um caminho que vai no sentido contrário ao da revelação, como se pode observar em “... eu as dou assim:/em versos/que me desmentem. “ (Poema 13) e em ”Pensas encontrar-me aqui/nestes versos?/Enganas-te.”(Poema 42), ecoando a bela suposição de que uma das estratégias da poesia é o engano. Sutilmente, porém, revela, a princípio, aquilo que nega, pois o hermetismo desse eu mais profundo é surpreendido na beleza da metáfora: “... fechadas a ti estão as entradas do rochedo...”. Entretanto a mesma impossibilidade acaso surpreendida no vocábulo “rochedo” é lapidada pela fragilidade do “tecidas por Aracne” e “vigiado pelas borboletas”.

Os poemas seguintes tematizam esse eu poético que se autoinvestiga. É interessante se atentar para o final do Poema 4, em que novamente a imagem do rochedo é usada, mas, dessa vez, a palavra “descobrindo-se” parece confirmar o estabelecimento da mesma possibilidade de desnudamento: se lá eram o “apenas” borboletas, aqui é a “baixa da maré”.

Poema 4

Arriete Vilela

Preciso sempre
ir dentro de Mim:

confiro-me

E quando emerjo,
sou rochedo descobrindo-se
com a baixa da
maré.

Poema

Arriete Vilela

Não devias ameaçar-me
com essa solidão:
venho de portos sem búzios,
destinos diversos
cruzando-se na soleira
dos meus olhos.

Não devias ameaçar-me:
refaço minha travessia
e te provo que meu coração
sobrevive à ausência
de bússola.
(Frêmitos - In: Obra poética reunida)

Poema 29

Arriete Vilela

Vou me sabendo sem remansos.
Por vezes o mar estronda
dentro de mim
e tempestades me obrigam
a descer aos porões, a reconhecer-me
nas escotilhas fechadas da minha
incômoda solidão.

Difícil reconhecimento, porém.
Eu já sou muitas.
Meus olhos, é verdade,
ainda se mantêm amorosamente
indiscretos, e minha alma busca
da palavra as seduções segredosa
que me ardem no peito.
Mas já não me deixo
possuir.

Poema 5

Arriete Vilela

É bom
ter o coração apaziguado:

outra vez na ponta
do arco,
torna-se flecha
ultrapassando-se
no próprio
voo.
(Frêmitos - In: Obra poética reunida)

Termino a postagem com um poema que, se possui um tema social aflitivo, a beleza da comparação transforma esse tema em uma fala poética, esvaziando-o do que poderia trazer-lhe um ar recorrentemente panfletário. É impossível não se atentar para a inteligência da vinculação de “meninos de rua” e “pardais”, imagem que faz parte de meu universo poético, pelo mesmo motivo que norteou a poeta em questão (remeto o leitor a dois poemas em meu blogue – link e link – “Poema Vivo”, onde uso a imagem do pardal, como a ave que se esvazia de todo o seu conteúdo idealistamente poético, por seu “plebeísmo”).

Poema 28

Arriete Vilela

Os meninos de rua
parecem pardais urbanos:
em ligeiros voos
acham-se em toda parte,
aproveitam restos de toda sorte.

Tropical
é algazarra de suas vozes,
quando se ajuntam;
seus gestos e jeitos,
de uma graça desavisada,
assustam e comovem.

Atentíssimo dever ser
o anjo da guarda dos meninos de rua,
esses tantos pardais urbanos.

Convido o visitante a uma viagem até meus blogues Poema Vivo (link) e Conto-gotas (link).

Hosana

2011-06-19T12:21:00.005-03:00

Eliane F.C.Lima

Ontem fez um ano da morte do escritor português José Saramago. E, como todo o mundo já percebeu, estamos há um ano mais pobres. De cultura. De amor ao próximo. De verdade.
Logo após a sua morte, compus o poema abaixo, onde eu imaginava a chegada de Saramago ao céu, ele que era ateu. Não é um poema religioso ou de negação das ideias do escritor. Ao contrário. Vali-me do tema para reafirmar o pensamento do homem.

Hosana

Eliane F.C.Lima (Registrado no Escritório de Direitos Autorais - RJ)

Sentado estava Deus, e absorto
– que Deus também tem dúvida e anseio.
E chega-lhe, de manso, em pleno horto,
um magro homem e senta ali no meio.

De imediato o deus o reconhece,
é Saramago, dele não se esquece.
O homem, mesmo vendo, não acredita
e se exaltar, à toa, ainda evita.

Mas o outro – a espera não foi vã –,
mesmo Deus, o coração aos pulos,
sorri de si, e mais dos homens fulos
que, no lodo, cospem ira anã.

Mostra as guirlandas postas pelos cestos,
a festa preparada ao José,
declama, decorados, os seus textos,
demonstra com clareza sua fé.

Diz-lhe que agradece a cada dia
a negação daquele deus cruento,
do que foi só malévolo invento,
daquilo que – por Deus! – não existia.

Negando as hipócritas mentiras,
o uso da falácia e do poder,
falsa verdade que sempre o traíra,
Saramago o estava a defender.

Manso poeta, o abraço às costas,
vê ao redor de si um outro homem,
e, sem se importar por quem o tomem,
envolve-lhe, cálido, as mãos postas.

A rainha do mundo - privado X público: reflexos na literatura

2011-06-05T09:58:00.006-03:00

Eliane F.C.Lima

No último dia das mães, fiz uma postagem – “Nós, mulheres, somos tudo. Até mães.” –, onde levantei o conceito de público X privado, chamando a atenção de que toda a sacralidade conferida à mãe se devia ao fato de ser mulher, visto que essa situação especial acima da condição humana estava intimamente ligada a uma espécie de prêmio pelo fato dela estar apartada do mundanismo e suas circunstâncias, ou seja, limitada à casa, “protegida” das tentações e dos pecados. Na canção da MPB “Mamãe”, David Nasser e Herivelto Martins já davam a pista: “Ela é a dona de tudo/ Ela é a rainha do lar”. Esse “tudo” era muito pouco, um universo circunscrito ao privado, ao “lar”, ao qual cabia à mulher, como mãe, ser rainha.
No poema “Infância”, do qual transcrevo algumas estrofes abaixo, Drummond volta à figura materna presa à domus e com ela confundida.

Infância

Carlos Drummond de Andrade

Meu pai montava a cavalo, ia para o campo.
Minha mãe ficava sentada cosendo.
Meu irmão pequeno dormia.
Eu sozinho menino entre mangueiras
lia a história de Robinson Crusoé,
comprida história que não acaba mais.
(…)

Minha mãe ficava sentada cosendo
olhando para mim:
- Psiu... Não acorde o menino.
Para o berço onde pousou um mosquito.
E dava um suspiro... que fundo!

Lá longe meu pai campeava
no mato sem fim da fazenda.

E eu não sabia que minha história
era mais bonita que a de Robinson Crusoé.

É interessante atentar para o fato de que à figura do pai/homem corresponde o “público”, o exterior, a busca pelo capital – ver os versos em itálico –, e à mãe/mulher, a vida “privada”, o interior, a proteção da família – versos em negrito.
Observe-se que a descrição do momento familiar é feita pela visão particular do filho adulto que, olhando para a infância, reintroduz aquela visão de pequeno ainda, para quem a “ordem das coisas” estava perfeita, como se depreende da última estrofe. É dele o olhar que relembra e avalia seu passado. Pela primeira estrofe, pode-se observar, que tinha um temperamento introvertido.
Mas parece que algum sentimento inconveniente ao idealismo da cena, sentimento que ia na alma da mãe – é flagrante a reiteração da inércia materna em “ficava sentada” –, não foge totalmente à percepção da criança: “E dava um suspiro... que fundo!”. Qual o alcance e significado exatos do enunciar daquele suspiro que não parece traduzir satisfação? Introduzida no meio do poema, tal alusão instaura um desequilíbrio na pretensa felicidade doméstica, provocando uma sensação de estranhamento ao leitor.
A estrofe seguinte, novamente, enuncia o afastamento do pai daquela “paz” íntima, reiterando a oposição papel da mulher X papel do homem. O leitor percebe, com sutileza, que “papel”, nesse caso, envolve não só deveres, mas, principalmente, direitos... e, talvez, felicidade. E se pergunta por que suspira tão profundamente aquela mãe/mulher.
E o sujeito enunciador se apressa a encerrar a questão, trazendo para si, subjetivamente, segundo sua visão idealizada, a perfeição da história da família: “minha história.”

Mater dolorosa

Adélia Prado

Este puxa-puxa
tá com gosto de coco.
A senhora pôs coco, mãe?
— Que coco nada.
— Teve festa quando a senhora casou?
— Teve. Demais.
— O que que teve então?
— Nada não menina, casou e pronto.
— Só isso.
— Só e chega.
Uma vez fizemos piquenique,
ela fez bolas de carne
pra gente comer com pão.
Lembro a volta do rio
e nós na areia.
Era domingo,
ela estava sem fadiga
e me respondia com doçura.
Se for isso o céu,
está perfeito.

Adélia Prado também expõe um perfil de mãe em “Mater dolorosa”. No poema, aparece uma mãe sem a disponibilidade apregoada pela tradição patriarcal. Primeiro pela ironia presente em “Teve. Demais”, onde afirma o que evidentemente nega. E o trecho “ela estava sem fadiga/e me respondia com doçura” apresenta uma situação inusitada, não costumeira, que inaugura um caminho desconhecido para o “céu”.
E o termo “céu”, no poema de Adélia, cujo título enfatiza o sofrimento materno, pode remeter-nos para o "paraíso" do famoso poema de Coelho Neto – Caxias, MA, 1864-1934, Rio de Janeiro –, cujos versos finais acabou se configurando em ditado, cultuado no imaginário popular.

Ser Mãe

Coelho Neto

Ser mãe é desdobrar fibra por fibra
o coração! Ser mãe é ter no alheio
lábio que suga, o pedestal do seio,
onde a vida, onde o amor, cantando, vibra.

Ser mãe é ser um anjo que se libra
sobre um berço dormindo! É ser anseio,
é ser temeridade, é ser receio,
é ser força que os males equilibra!

Todo o bem que a mãe goza é bem do filho,
espelho em que se mira afortunada,
Luz que lhe põe nos olhos novo brilho!

Ser mãe é andar chorando num sorriso!
Ser mãe é ter um mundo e não ter nada!
Ser mãe é padecer num paraíso!

Parece importante chamar a atenção para a afirmativa de “ser mãe é ter um mundo e não ter nada!” que, fazendo coro à canção popular no início citada, reveste-se, sob a visão atual que se tem sobre os direitos da mulher, com o significado oposto ao que pretendia o poeta. Essa visão parece retomada no poema que se segue. Nele, tradução de um pensamento contemporâneo, a maternidade – paternidade –, esvaziada de seu pseudo conteúdo sagrado, de seu idealismo, está colocada no mesmo patamar de outros elementos da vivência hodierna da mulher, analisada dentro de seus limites reais. Vale se atentar para o fato de que esse eu que “filosofa” se neutraliza ou se amplia nesse “a gente”, independente de sua condição de gênero. Ter filho não é sagrado, é humano.

190

Martha Medeiros

o sentido da vida
é o que a gente sente

por um filho
que é a cara da gente

por um trabalho
que ocupa a mente

por um amor
que nos deixa doente

pena que isso não baste
por mais que se tente

(Poesia Reunida)

O diálogo de opostos, quando se cotejam os poemas de Coelho Neto e Martha Medeiros, fica claro e resumido no trecho “Todo o bem que a mãe goza é bem do filho,/espelho em que se mira afortunada,” em oposição à “pena que isso não baste/ por mais que se tente.” Serão os versos finais da citada poeta a chave para o suspiro da mãe drummoniana?
(Aguardo você em Poema Vivo e Conto-gotas.)

(Continuo remetendo para o Longitudes, de Nydia Bonetti, poeta que postei em Literatura em vida 2. É maravilhar-se.)

O gume da palavra

2011-05-28T08:58:00.013-03:00

Eliane F.C.Lima

Embora eu ainda envie o visitante para minhas postagens anteriores, hoje posto este vídeo, que eu já havia recebido há algum tempo e resolvi copiar do YOUTUBE, ao qual agradeço, estendendo o agradecimento à pessoa que o postou ali.
Ele se tornou conhecido e a Professora Amanda Gurgel foi entrevistada em uma rede de televisão de grande alcance que, pasme o leitor, fez reiteradamente campanha contra professores do Rio de Janeiro, em greve – eu estava lá, junto –, que reivindicavam a mesma coisa. Hoje tal rede não só faz reportagens a favor da educação, apontando suas falhas, como traz a professora para dar entrevista. Porém é preciso não ser ingênuo: será que essa rede não está, sim, contra o governo federal e não a favor da educação? Em sua fala, a professora diz alguma coisa como "em nenhum momento, governo algum teria se preocupado com a educação.". Triste será perceber que seu discurso esteja sendo mais uma vez manipulado e usado como "arma de manobra".
Mas a veiculação aqui se faz menos pelo conhecimento da realidade educacional no país e seu desejo de lutar para salvá-la. Apresento-o pelo "show" de oratória que a professora dá, domínio completo da arte de persuadir, de expor o pensamento. Ela usa a técnica que sempre ensinei a meus alunos de vencer o inimigo em seu próprio campo – metáfora de convencer, usando as estratégias do pensamento contrário –, quando eu ensinava a dissertação argumentativa, composição escrita que costuma ser pedida em vestibulares. Como a Professora, dei aulas de Língua Portuguesa, o que significa, na verdade, ensinar ao aluno a argumentar e expressar seu pensamento.
Cito dois exemplos: o apelo aos números, truque que sempre dá certo por emprestar ao discurso um quê de ciência exata – o Ocidente adora as Ciências Exatas –, de argumento irrefutável, portanto. Ela se vale do "gancho", usando-o com uma ironia incontestável. Quando a platéia ri, oitenta por cento da batalha já está vencida: ninguém respeita um inimigo do qual todo mundo ri.
Depois, ela usa as palavras da secretária de educação de seu estado – acredito que os professores locais estivessem em greve –, a favor de seus argumentos. Não há, definitivamente, possibilidade da secretária salvar seu discurso de representante do governo, depois do ardil da palestrante, sem reiterar, enfatizar, robustecer a fala implacável anterior. O único recurso é o silêncio.

Como disse, com tanta sabedoria, a própria Professora Amanda Gurgel, a culpa do que acontece na educação não está dentro de sala de aula. A alegação de que os professores são despreparados e precisam se reciclar é negada pela excelência das argumentações, tanto em seu conteúdo, como em seu estilo pela própria emissora do discurso. A Professora – assim mesmo, com letra maiúscula –, é uma oradora de primeira. Imagino as aulas extraordinárias que dá. Como professora também, sinto muito orgulho.

Adriana Calcanhotto - NIELM - "Encontro com as escritoras"

2011-05-18T14:49:00.003-03:00

Eliane F.C.Lima

Fiz esta postagem para assinalar o novo "Encontro com as escritoras", evento do NIELM/UFRJ - Núcleo Interdisciplinar de Estudos da Mulher na Literatura -, no dia 17-05-2011 agora, do qual participou a compositora, cantora e agora escritora Adriana Calcanhotto, que tem sido frequentemente citada neste blogue, para lançamento de seu livro Saga Lusa. Na foto oficial do NIELM, estavam a Cintia Barreto - talentosa poeta por mim apresentada anteriormente -, o vice coordenador do NIELM Jorge Luiz Marques de Moraes, que é uma gracinha e me dá ali um abraço muito gostoso, a Adriana e eu, já de cabelos curtos de novo.
Agradeço à Cintia a foto que ela colocou em seu Facebook.

Nós, mulheres, somos tudo. Até mães.

2011-05-08T09:40:00.002-03:00

Eliane F.C.Lima

Neste dia dedicado às mães por uma sociedade capitalista quero relembrar alguns aspectos. Primeiro que, num tempo não tão longínquo, a única felicidade que restava a uma mulher – seriam felizes mesmo? – era ser mãe, além de esposa extremosa. Na verdade, o título e a homenagem apenas tinham como intenção reforçar os limites domésticos impostos à mulher em seu papel de ser da vida privada. A rua, os negócios, a vida pública, o capital, a liberdade de escolha, enfim, eram prerrogativas masculinas.
Hoje a homenagem às mães se reveste de um outro aspecto: o fato de uma mulher, com todas as atribuições novas que conquistou na vida pública, que agora também é sua – nada distingue a vida de uma mulher da vida de um homem –, exercer as funções da vida privada, como ser mãe, com aptidão, faz da mulher, realmente, um ser excepcional, tenha filhos ou não. Meus parabéns a nós está posto, não apenas por sermos mães, mas, em primeiro lugar, por sermos mulheres e competentes. Aliás, como sempre fomos.

A função da linguagem poética

2011-04-21T13:07:00.005-03:00

Eliane F.C.Lima

As considerações que aqui se apresentam têm como objeto as funções poética e emotiva (subjetiva) da linguagem. Ao se falar em funções da linguagem é impossível não se citar o linguista russo Roman Jakobson (1896-1982), do Círculo Linguístico de Moscou, e seu texto Linguística e Poética, compilação de uma conferência de 1956, em que o estudioso comparava a linguagem quotidiana e a linguagem da poesia. Eram estabelecidos ali seis fatores identificados por Jakobson como constituidores do processo comunicativo: o enunciador, o receptor, o código, a mensagem, o contexto (o referente do meio externo), o canal ou meio. Dependendo do enfoque de um desses elementos no ato de linguagem, segundo ele, uma de seis funções predominava sobre as demais, sendo que, seguidamente, se possa reconhecer a presença de várias em um só momento de comunicação. Para maior aprofundamento, remeto ao trabalho do Prof. Dr. Antônio J. S. Brandão (aqui).

Muitas críticas têm sido colocadas atualmente, principalmente depois dos estudos que levaram à Teoria do Discurso e que mostram a complexidade muito maior em jogo em um desses atos. Embora, como se argumenta, não haja apenas um receptor, na maioria das vezes, e um mesmo código utilizado por enunciador/receptor tenha variações imensas, individualmente, imagino que o elemento de partida para as conclusões do linguista sejam sempre o enunciador, o qual prevê sempre um interlocutor ideal, aparadas todas as arestas.

Neste trabalho, serão levadas em conta, especificamente, a função emotiva ou expressiva da linguagem, centrada no emissor/sujeito da mensagem, como tradutora de seus sentimentos e emoções e todos os elementos linguísticos que a revelam em comparação com a função poética (não confundi-la com o conceito popular de poesia como sinônimo de poema), que é o enfoque sobre a mensagem propriamente dita, um trabalho elaborador da mensagem em si e interessado, em primeiro lugar, nela mesma.

A primeira preocupação aqui será salientar que a função poética, na literatura, raramente vem sozinha e, frequentemente, está acompanhada da função emotiva. Através do estudo de dois poemas, de estilos e épocas diferentes, veremos o crescimento óbvio de uma sobre a outra.
Primeiro é preciso dizer que o discurso subjetivo – presença clara do eu enunciador – é o grande traço da função emotiva. Essa presença é evidenciada por pronomes pessoais e possessivos e por verbos na primeira pessoa. Também todos os vocábulos que conotem emoção são um traço desse ego emocionado que se derrama no poema. O estilo de época do Romantismo tem como um dos principais ditames de sua doutrina a presença dominante da função emotiva.

Texto I: Adeus, meus sonhos!

Álvares de Azevedo (poeta do Romantismo - 1831-1852)

Adeus, meus sonhos, eu pranteio e morro!
Não levo da existência uma saudade!
E tanta vida que meu peito enchia
Morreu na minha triste mocidade!

Misérrimo! votei meus pobres dias
À sina doida de um amor sem fruto...
E minh’alma na treva agora dorme
Como um olhar que a morte envolve em luto.

Que me resta, meu Deus?!... morra comigo
A estrela de meus cândidos amores,
Já que não levo no meu peito morto
Um punhado sequer de murchas flores!
(Lira dos vinte anos)

Saliento, no texto, de início, o predomínio da função emotiva gritante em todos os pronomes e verbos em primeira pessoa, destacando-os em negrito, para marcar esse sujeito que não se vexa de se declarar no texto e cuja presença não é poupada. É a si que ele investiga: “amor sem fruto” ou “cândidos amores” são apenas um quase irrelevante motivo para o “dizer-se”.

Atente-se para as expressões – sonhos, triste (mocidade), misérrimo, pobres (dias), (sina) doida, cândidos (amores), (peito) morto, murchas (flores) – que claramente traduzem a emoção conscientemente não contida. É preciso se atentar ainda para o uso reiterado dos pontos de exclamação como recurso para enfatizar a exacerbação de tal emoção.
A função poética, no entanto, está fortemente presente também. É um texto artístico, no qual a função emotiva acontece. As escolhas feitas na elaboração desse discurso, como uma intenção conscientemente artística, caracterizam essa segunda função agora comentada. Vamos aos detalhes:
1.O texto é um poema dividido em três quadras. Cada verso é um decassílabo. A preocupação de se conseguir as dez sílabas foi responsável pela apócope em “E minh’alma na treva agora dorme”. Imagino que essa deva ser uma das causas, ainda, da preferência de “pranteio” (três sílabas) em lugar de “choro” (duas sílabas), além da invulgaridade maior do primeiro em relação ao último termo.
2. A estrutura das estrofes: o primeiro e o terceiro versos, em todas elas não são rimados. A ideia de morte, traduzida em uma palavra com o mesmo radical (morro, morreu – primeira estrofe; morte – segunda estrofe; morra, morto – terceira estrofe), aparece, enfaticamente, em todas as estrofes. Há uma antítese dominante no texto que é “tanta vida que meu peito enchia” X “no meu peito morto”, que resume, praticamente, toda a intenção do texto.

Texto II: A mulher e a casa

João Cabral de Melo Neto

Tua sedução é menos
de mulher do que de casa:
pois vem de como é por dentro
ou por detrás da fachada.

Mesmo quando ela possui
tua plácida elegância,
esse teu reboco claro,
riso franco de varandas,

uma casa não é nunca
só para ser contemplada;
melhor: somente por dentro
é possível contemplá-la.

Seduz pelo que é dentro,
ou será, quando se abra;
pelo que pode ser dentro
de suas paredes fechadas;

pelo que dentro fizeram
com seus vazios, com o nada;
pelos espaços de dentro,
não pelo que dentro guarda;

pelos espaços de dentro:
seus recintos, suas áreas,
organizando-se dentro
em corredores e salas,

os quais sugerindo ao homem
estâncias aconchegadas,
paredes bem revestidas
ou recessos bons de cavas,

exercem sobre esse homem
efeito igual ao que causas:
a vontade de corrê-la
por dentro, de visitá-la.
(J. C. M. Neto – Antologia poética – 4. ed. Rio de Janeiro, J. Olympio, 1978)

O texto modernista de J. Cabral tem especificidades que o tornam bem diferente de um texto romântico, acrescentadas as características do estilo pessoal de tão raro poeta: o controle emocional do discurso, bem entendido, é uma de suas marcas. Então a subjetividade que é o traço fundamental da função emotiva vem aqui quase completamente diluída. Observe-se que os versos “os quais sugerindo ao homem” e “exercem sobre esse homem”, nas duas últimas estrofes, respectivamente, transferem o sentimento de um “eu” enunciador – atente-se para “exercem sobre esse homem/efeito” e “a vontade de” na última estrofe” – para um ser nomeado em terceira pessoa, o que lhe confere uma pretensa objetividade e distanciamento. Porém o “efeito” que exercem, ou seja, “a vontade de”, deixam escapar uma emoção que a custo se contém. “Eu” e “homem” não serão, assim, a mesma pessoa poética?
Examinados, entretanto, todos os adjetivos que vão sendo atribuídos aos diversos aspectos da casa – plácida (elegância); (riso) franco; (estâncias) aconchegadas; (paredes) bem revestidas; (recessos) bons – verifica-se que eles não são simplesmente descritivos, mas carregados de valores afetivos e avaliativos do próprio eu que os enuncia, o que é um claro sintoma do subjetivismo.
Os termos “sedução” e “seduz”, por seu significado, deixam no leitor, igualmente, o entendimento de que há uma relação nada objetiva entre o detentor do discurso poético e a casa enfocada.
Os detalhes acima revelam um “eu” que se pretendia escondido e a função emotiva, finalmente, se mostra, embora sem a relevância do poema de Álvares de Azevedo. Ela se apresenta, como quis o enunciador, em um patamar bem abaixo da função poética.
Pode-se começar a argumentar que o próprio desejo de elaborar um texto artístico contido, sem o extravasamento romântico, já é um dos efeitos da função poética, que tem como intenção dominar os efeitos estéticos no ato criativo.
Os aspectos formais do texto, claramente, revelam ainda tal função: um poema dividido em oito quadras, com versos heptassílabos, sem rimas.
O grande trunfo do poema, que revela de forma cabal a destreza estética, sinal dessa função poética, entretanto, é a metáfora da casa como representação do objeto amoroso. Se à primeira vista a concretude e frieza de uma casa causa um estranhamento e desincentiva a imaginação idealizadora de uma mulher, essa mesma metáfora, vai sendo, aos poucos entendida: contra toda a cultura ocidental, diminui a importância da aparência física da mulher em detrimento do que ela é em seu interior. A estratégia textual é conseguida, principalmente, pela repetição intencional do termo “dentro”, que aparece oito vezes ao longo do poema, em algumas estrofes duas vezes.

É impossível deixar de assinalar a metáfora sensacional de “riso franco de varandas”. Desse modo, percebe-se que a utilização de um recurso poético só depende do engenho da/do poeta. Os modernistas já diziam que qualquer “palavra é palavra poética” e a língua não tem preconceitos dentro de seu léxico, não sendo qualquer vocábulo o filho preferido. É a/o artista que, reunindo-os, faz deles um universo poético.

"O mundo é masculino"

2011-03-08T15:50:00.003-03:00

Eliane F.C.Lima

Embora absolutamente sem tempo, neste 08-03-2011, quero transcrever um e-mail que enviei para a OAB, Minas gerais. Estou até hoje aguardando resposta. Tendo em vista o parecer de um juiz, largamente divulgado pela imprensa, vemos que a data de hoje nada significa: "o mundo é masculino" - disso todos sabemos, ora bolas! - " e assim deve permancer". Tal conclusão a um pedido de socorro feito por uma mulher à justiça é estarrecedor.
A imprensa comentou o fato - vi reportagem na Record -, mas eu esperava que essa mesma imprensa, tão ciosa de seu direito à liberdade, protestasse veementemente sobre o fato. Que nada! Entre uma mulher que sofre violência e o parecer de um juiz, fica melhor não fazer muito barulho e concordar com ele. Será esse o "mundo masculino"?
Para quem não sabe do que se trata, recomendo ler aqui, aqui e, para espanto de todos, aqui.
Meu e-mail:

"Senhores,
Tenho aguardado, daqui do Rio de Janeiro, um pronunciamento firme da OAB/Minas Gerais, pelo menos - setor "Mulher" ou não -, sobre as declarações do juiz Edilson Rodrigues e sobre a Amagis que lhe saiu em defesa, discriminatórias e que ferem os direitos humanos em geral. Aguardo ainda posição clara sobre a decisão do STF, suspendendo o afastamento.
Ou será que as mulheres não estão incluídas no gênero humano, visto que o "mundo é masculino e assim deve permanecer" no entender daquele juiz? Parece-me que tais declarações não são uma opinião - isso se daria se ele estivesse, por exemplo, dando uma entrevista para um jornal. Tais palavras são a conclusão de um processo movido por uma mulher que estava sendo prejudicada e recorria a uma lei que existe. Não tendo um parecer favorável, ela não só se vê desamparada pela lei e pelos magistrados que deveriam defendê-la, como, em meu entendimento de leiga, estará obrigada a arcar com as custas do processo que moveu. Passou de vítima a ré. Coisas semelhantes acontecem em países de leis radicais em que mulheres estupradas, por exemplo, são mortas por terem perdido a honra. Será que as mulheres agora, no Brasil, serão condenadas a serem apedrejadas também? Esse procedimento estaria incluído no conceito de "mundo masculino"?
O fato de que o "mundo é masculino" é uma constatação que tem fundamento. Ora, exatamente por isso, nossa sociedade deveria estar interessada em mudar e corrigir esse erro. A partir, a princípio, daqueles que são responsáveis por garantir a justiça.
Eu, se fosse do sexo masculino, jamais admitiria que se dissesse que agredir outra pessoa faz parte do "mundo masculino". Isso é pura barbárie.
Se a OAB não fizer nenhum procunciamento sobre o fato, temerei que ou concorda com o ponto de vista do juiz ou toma uma posição corporativista. Deus me livre desse "mundo masculino", então, medieval e bárbaro!
Atenciosamente,
Eliane F.C.Lima"

Peço a quem tenha visto o pronunciamento da OAB/ Minas Gerais que me avise, para que eu fique aliviada e não seja injusta.

AVISO

2011-02-06T14:26:00.001-02:00

Devido à preparação de mudança para o Rio de Janeiro - de volta a meu paraíso! -, durante, pelo menos, este mês, não haverá postagens novas. Agradeço a quem quiser visitar as matérias já editados. Mas, abaixo, uma quadrinha fevereira.

O retorno

Nascida em fevereiro,
sou peixe de água doce.
Ainda não o fosse,
sou o Rio de Janeiro.
(06-02-2011)

A complexidade do simples - Literatura, já.

2011-01-23T12:02:00.018-02:00

Nydia Bonetti (Piracaia SP/1958) é engenheira civil e poeta e se dedica, atualmente, ao projeto do seu primeiro livro. Publica seus trabalhos no OVERMUNDO (link) e tem textos publicados na “Revista ZUNÁI” (link), “Germina Literatura” (link), “Cronópios” (link) e outras mídias eletrônicas, segundo suas próprias palavras. Bloga no Longitudes (link), espaço através do qual entrou como seguidora de meu blogue Poema Vivo. Fui até lá para conhecer minha visitante e tive uma das mais gratas surpresas: encontrei uma poeta que eu, imperdoavelmante, ainda não conhecia. Tenho tido, frequentemente, essas surpresas agradáveis nessa Internet. Nesse mundo pós-moderno e louco, felizmente, porém, uma especialista em literatura, como sou, tem a oportunidade de se reciclar quase em tempo real.

Comprovei, mais uma vez, que ser poeta não é profissão, não é atividade, não é passatempo: é destino. O poeta nasce, assim, assinalado. E, mesmo que escolha qualquer profissão outra, não se livra desse sinal, que o seguirá até o fim. O poema abaixo já começa comprovando o que digo.

Solares

Nydia Bonetti

outra vez
me ronda a poesia

agora é assim

quase uma sombra
colada em mim

não

ela é o sol
eu,
a sombra

O material que Nydia Bonetti utiliza, em um primeiro momento, em seu olhar indagativo sobre o mundo, são as coisas comuns e simples que a envolvem externamente. Mas como, internamente, nada é simples e comum, a manufatura que se apresenta aos olhos do leitor é outra, abençoada pela subjetividade e emoção, que se simula equilíbrio e contenção – observar o último verso do poema "Risco". Identifico até um certo tom blasé, o que é conseguido pelo manusear de uma linguagem bastante cotidiana. Engano do leitor se não for bastante observador: no poema que se segue, jogando com a homofonia de “expiar/espiar” – ouso dizer que a maioria das pessoas toma um termo pelo outro, sem diferenciação –, no derradeiro verso, vários significados e atributos podem ser agregados ao termo “cordeiro”:
1.Seres sem ação e defesa, passivos, o que seria conseguido por “espiam” (observar, olhar, esperar, aguardar) – verificar que abutres e lobos percebem algo e se mantém longe -, que, embora não escrito, é trazido para o texto por sua homonímia com o termo presente.
2.Seres que são sempre utilizados para remir a culpa de outrem diante do assustador uivo da vida, o que se depreende do “expiam”, realmente explícito no texto.
3.Mas aquele mesmo “espiam” do item 1 poderia, trazer, paradoxalmente, a ideia de “procurar descobrir, com o fim de fazer danos” (Dicionário Aurélio, versão digital), o que marcaria “cordeiros” com uma malícia insuspeitada e inverteria a dinâmica do que se supõe à primeira vista, ou os tornaria cúmplices latentes daquele perigo ameaçador da vida. Dada a sutileza da grafia do verbo “expiam” – o termo tem uma entrada muito menos frequente na língua popular –, provavelmente os itens 1 e 3 têm uma garantia maior de entendimento, ainda que não fosse essa a intenção verdadeira da escritora ou que ela não suspeitasse do alcance do que disse. A Teoria da Recepção tem batido nessa tecla e, neste mesmo blogue (confira aqui), já fiz alusão a esse aspecto.

Expiação

Nydia Bonetti

I.

serpentes de barro
rios
de silêncio
rouca
a voz das águas
silencia

II.

ouve-se da vida
um uivo
lobos se esquivam
abutres sobrevoam
enquanto
cordeiros expiam

Mas vamos aos textos – preciso confessar que foi uma enorme dificuldade a escolha:

Risco

Nydia Bonetti

o grande risco do poema
é que ele é feito de giz

e não apaga dor

. . .

Nydia Bonetti

e se eu dissesse apenas
do que sei
e sinto

calava

Outro dia

Nydia Bonetti

a tarde dourada no campo de centeio
não diz das chuvas que virão
diz do sol
embora quase noite
diz do pão
embora as mãos vazias
diz de nós
na janela de outro dia
que já passou

Alma

Nydia Bonetti

a alma do mundo grita
no mormaço dos dias rasos
na escuridão
das noites infinitas
no abandono
das dores terminais
no corpo
do homem que habita
desolada
depois de gerações ainda
aprisionada
que da eternidade
a que almeja sabe
tão pouco quase
nada

Meu pé de não sei que

Nydia Bonetti

árvore do cerrado- cresceu comigo
rude e exótica
mas era minha
eu fui embora - ela não quis
ela não tinha pés
eu não tinha raiz

Nódoa

Nydia Bonetti

árvores do quintal da infância
revi vi
sumo nos olhos:
saudade é nódoa que não sai

Choro pitangas

Nydia Bonetti

preciso rir
chuvas e sóis
preciso rir
primaveras
preciso rir
flores se abrindo
perfume beija-flor

porque ainda
é inverno
não posso

me calo em frio
galho seco noite
choro pitangas
lágrima ácida dor
porém brilhante
vermelha doce
lágrima de esperar

Desejo ao visitante que se delicie neste dia de domingo.

Convido o visitante deste blogue a ir a Conto-gotas (por aqui), onde há um novo conto meu e a Poema Vivo (o caminho é esse).

Estou ainda em:
1. Debates Culturais, onde passo, agora a publicar alguns artigos, bastando um clique, na lista "Colunistas", à direita, em Eliane Lima (link).
2. Recanto das Letras (aqui).
3. Portal Literal (aqui).
4. Alma de Poeta (aqui).

Poesia: o paradoxo da linguagem

2011-01-09T10:43:00.008-02:00

Eliane F.C.Lima

Tenho usado o interessante livro da Doutora em Ciência da Literatura Maria Antonieta J. O. Borba, Tópicos de teoria para a investigação do discurso literário, de 2004, editado pela 7Letras, como instrumento de consulta em meu trabalho de análise literária. Mas há, pelo menos, nesse livro, uma afirmativa da qual discordo, em relação a um poema de Manuel Bandeira, transcrito após a citação abaixo, afirmativa e poema os quais usarei como tema de minha discussão.
A afirmativa:

No caso dos versos de Bandeira, nada impediria a classificação como língua padrão segundo as normas formalistas, não fosse o espaço em que primeiramente apareceram e o nome que os assina. Em outras palavras, nada impediria que fizessem parte de um contexto pragmático. (BORBA, 2004, p. 37)

O poema

Poema tirado de uma notícia de jornal

Manuel Bandeira

João Gostoso era carregador de feira livre e morava no morro da Babilônia num
[barracão sem número

Uma noite ele chegou ao bar Vinte de [Novembro
Bebeu
Cantou
Dançou
Depois se atirou na Lagoa Rodrigo de Freitas e [morreu afogado
(Libertinagem - 1930)

Devemos observar que os termos “língua padrão”, “normas formalistas”, “contexto pragmático”, usados no texto da especialista para caracterizar o poema de Bandeira, nos sugerem um texto apenas comunicativo, denotativo, preso a uma realidade concreta e extratextual, ao referente externo, em suma, o que é sugerido pela expressão “uma notícia de jornal” do título do texto, essa, se realmente existiu como ponto de partida da criação, sem dúvida, com tais características. Entretanto é preciso se começar a desconfiar do puramente literal, visto que “poema tirado” nos induz a “poema criado a partir de”, ou seja, um elemento linguístico totalmente diferente.
Vamos caminhar pela forma do poema e suas consequências significativas e líricas, cuidadosamente escolhidas e que anulam qualquer suposição de vinculação à denotação de um texto de comunicação.

A primeira estrofe do poema remete a uma notícia e, intencionalmente, repete-lhe certos termos tradicionais, como o “barracão sem número”. E toda ela já traz o leitor para uma situação de pobreza e, talvez, desamparo: um sujeito poético de quem não se cita o nome oficial – um texto de jornal daria esse detalhe fundamental –, sem endereço exato, o que sempre é um parâmetro social e moral.
Essa incerteza social e psicológica, reforçada pelo nome popular daquele ser poético – João Gostoso – , e traduzida no não número da moradia, no entanto, contrasta, para o leitor, com a precisão do nome do bar “Vinte de Novembro”, que inicia a estrofe seguinte, e ressalta a importância de um espaço físico em detrimento de uma individualidade humana.

Observe-se, ainda, que a expressão “uma noite”, começa a anular qualquer ligação possível com a precisão da notícia midiática, que se valeria de termos exatos, tipo “na noite de segunda-feira”, “na noite de 13 de outubro”, por exemplo. As circunstâncias reais são assim esvaziadas em proveito das circunstâncias emocionais, sentimentais, enfim, que levaram João Gostoso ao bar. A realidade concreta é abandonada e, em seu lugar, surge uma realidade interna ao texto, poetizada.

Os três versos seguintes chamam a atenção pela exiguidade do tamanho – uma palavra só para cada um – em contraste com os versos anteriores e o posterior. Colocados um abaixo do outro, esses vocábulos dão um ritmo marcado de tambor, ao mesmo tempo que aceleram a leitura do poema.
Além desse aspecto gritantemente sonoro, há que se atentar para a camada significativa desses verbos: bebeu, cantou, dançou. Juntos, trazem em si um efeito de comemoração. Será essa a intenção do resultado musical introduzido pela sequência dos três versos?

Um sentido inverso, “um resultado de desespero”, um outro leitor poderá identificar, atento ao significado de desejo de alienação psíquica, implícito na palavra “bebeu”, relacionada a “bar”, o que reforçaria a disposição vertical desses três mesmos termos/ações. Será essa, afinal, a sensação sugerida pelo som musical introduzido pela sequência dos três versos, agora de forma contrária? Já não mais festa, mas toque dramaticamente fúnebre de premonição e suspense pelo final? Ou os dois estratos significativos, antagônicos e paradoxais, se superpõem, num movimento de negação e atração?
Essa irresolução em que se acha o leitor – alegria ou desespero – se prolonga no gesto final do sujeito textual. E ela é o grande trunfo desse texto, é sobre ela que está construída sua dimensão lírica.
Não há nada de “normas formalistas” ou “contexto pragmático” nesse texto, negados por aquela indecisão citada acima, que, valendo-se da camada aparentemente “padrão da língua”, subverte-a, dobra-a e a submete ao engenho poético.

Estou também em Conto-gotas (link), Poema Vivo (link), Debates Culturais, onde passo, agora a publicar alguns artigos, bastando um clique, na lista "Colunistas", à direita, em Eliane Lima (link) e Recanto das Letras (aqui).

Autor, texto e leitor: uma moeda de três faces

2010-12-12T09:44:00.009-02:00

Eliane F.C.Lima

O presente artigo pretende discorrer, de forma bastante superficial e resumida, sobre as mudanças que ocorreram na visão da crítica ao abordar um texto literário. Vamos observar que o movimento, a grosso modo, se deslocou do autor, para o texto e, num terceiro momento, mesmo que inicialmente, para o leitor.
Fixam-se, aqui, certos conceitos e termos, utilizados ao longo deste trabalho, e referentes aos três elementos fundamentais na relação crítica/texto artístico:
1.O autor (a produção): elemento extratextual; do contexto; transcendente ao texto, portanto.
2.O texto (poema, romance, conto ou trecho deles): elementos imanentes.
3.O leitor (recepção): elemento extratextual; do contexto; também transcende ao texto.

Crítica focada na produção (1)

Até o fim do século XIX, enfocava-se a pessoa do autor, salientados seus determinantes sociais, históricos, culturais, biográficos, enfim, as conexões que a obra de arte mantém com esse sujeito e sua sociedade, na época da gênese de sua obra. Desse modo, os preceitos analíticos de então investigavam o estrato histórico-social presentes na criação literária – corrente sociológica – ou os vestígios desse ser produtivo extratextual, o autor – corrente psicológica –, como os reflexos de sua alma ou personalidade na matéria textual.
A abordagem literária, então, ficava sob critérios impressionistas, sem o respaldo de fundamentos realmente teóricos, identificando no texto a expressão da vida de seu autor. As avaliações da época são mais morais do que estéticas, carentes de normas metodológicas de análise do discurso literário. Como exemplo, a produção das mulheres, cujos textos eram medidos por sua condição de gênero, social e não pelo valor artístico do texto.
Por volta da Primeira Guerra Mundial, há uma forte mudança do interesse para o texto propriamente dito, mudança que se apresentou sob diferentes movimentos de crítica.

Crítica focada no texto (2)

Estilística

Esse movimento foca seu interesse no texto artístico, entendido como aquele que rompe com a norma linguística – norteadora tão somente da linguagem lógica, comunicativa, do cotidiano –, texto que promove um “desvio” que possibilita uma linguagem expressiva. A Estilística, entretanto, julga que esse “desvio” da linguagem usual ainda é o sinal de uma situação particular autoral, mesmo que parta de uma especificidade imanente à obra.

Formalismo russo

Com o Círculo Linguístico de Moscou (1915-1930), desenvolveram-se os estudos de linguística e poética, do romance e do conto, o que permitiu a fundamentação teórica, metodológica e instrumental de investigação do texto, sem preocupação com o autor, dados históricos ou sociais: a literatura é a arte da palavra e deve ser estudada sob o foco literário.
A inovação desse pensamento é o estudo descritivo e morfológico do texto, ou seja, prendia-se ao estritamente imanente na obra. Enxergaram-na como organização artística, dedicando-se a uma descrição exaustiva de seus elementos componentes, de suas funções, dos processos técnicos manipulados por um escritor ao organizar seu texto. Os formalistas russos influenciaram os estruturalistas de Praga.

Estruturalismo

Reunido no Círculo Linguístico de Praga (1926), o Estruturalismo, embora com divergências internas, dirigia, de uma forma geral, seus estudos, rigorosamente, para a estrutura do texto, concebido como um conjunto dinâmico de relações, cuja totalidade estrutural, objetivo final dos estudos, confere sentido a cada parte, a qual adquire com precisão o seu valor através de sua relação com aquela totalidade específica e não outra. Como se vê, o estruturalismo despreza também qualquer estudo que transcenda o puramente textual.

New Criticism

É um movimento anglo-americano, que, embora se debruçasse preferencialmente sobre o texto, já começava a ter um certo interesse pela figura do leitor, ao identificar uma série de exegeses para um texto. No entanto ainda atribuía valores a essas diversas interpretações, identificando uma como correta e as demais como falsas. Essa visão axiológica de seu objeto acaba se mostrando subjetiva e impressionista.

Desconstrução

Iniciada pelo estudioso francês Derrida, em 1967, a concepção de “desconstrução” teve seu ápice nas décadas de setenta e oitenta. Mas o pensador sempre rejeitou qualquer definição estável do termo.
Desconstruir um texto é não procurar seu sentido, mas percebê-lo como a infinitude que surge de seu próprio jogo, entendendo-se que muitos textos artísticos ultrapassam os limites de representação.
A desconstrução enfatiza que textos literários apresentam contradições internas, asserções disfarçadas ou não articuladas e que não garantem nenhuma certeza , podendo significar muitas coisas diferentes ou nenhuma em especial. Por sua própria natureza de jogo linguístico artístico, no texto literário não haveria prevalência de um sentido sobre outros, ficando a intenção do autor sempre dissolvida nessa dinâmica lúdica.

Crítica focada no leitor (3)

A Teoria ou Estética da recepção

Tal teoria traz de volta, embora por motivos diferentes dos anteriores ao século XX, aspectos transcendentes ao texto, ao introduzir, na investigação literária, o papel fundamental do leitor como recriador do texto e todas as condições históricas, culturais e sociais mobilizadas por ele em sua leitura/interpretação. A pesquisa se interessa pelas várias interpretações receptivas que um texto teve ao longo de sua vida literária, conjunto que lhe iria atribuindo, assim, os significados.
Num primeiro momento, década de 60, o movimento, radicalmente, ignora a atuação do autor, a produção do texto, para atribuir somente ao leitor e ao seu horizonte de expectativas – à recepção – a importância maior, em seu papel de realizar o sentido do texto. Por motivos diversos do da “Desconstrução”, também nega uma significação única, aspirando ao entendimento da diferença das variadas exegeses de um texto de diferentes leitores.
Posteriormente, os analistas perceberam que havia, evidentemente, também um significado textual intencionado pelo produtor do texto, o primeiro a ser constituído na lista dos sentidos instituídos depois por seus leitores, que não podia ser ignorado, fundamental em relação às inúmeras interpretações e no estabelecimento dos significados da obra.
Como crítica literária contemporânea, acredito firmemente que, se o texto é o instrumental maior e mais seguro a ser focalizado para o descobrimento de todas as exegeses possíveis, os dados extratextuais disponíveis – a biografia do autor, suas circunstâncias históricas e as diversas interpretações feitas através dos tempos ou por variados leitores/críticos coevos – podem e devem ser mobilizados também para a realização segura dessa prazerosa tarefa.

Bibliografia

BORBA, Maria Antonieta. J. O. de, Tópicos de Teoria para a investigação do discurso literário. Rio de Janeiro:7Letras, 2004.
BRASIL, Assis. Vocabulário Técnico de Literatura. Rio de Janeiro: Tecnoprint Ltda/Edições de Ouro, 1979.
JAUSS, H.R... et al.; A literatura e o leitor. (coord. e trad.: Luís Costa Lima). 2 ed., Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1979.
SILVA, Vítor Manuel de A. e. Teoria da Literatura, 3 ed., Coimbra: Livraria Almedina, 1979.

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Adiamento

2010-12-05T14:12:00.003-02:00

A postagem que estava prevista para hoje deverá entrar no meio da semana. Estou em processo de compra de apartamento no Rio, o que tem demandado muito tempo, impossibilitando a atenção que minhas pesquisas exigem e meus leitores merecem.
Eliane F.C.Lima

Júlia Cortines Laxe: poeta e mulher - Literatura de ontem 16

2010-11-20T12:35:00.017-02:00

Eliane F.C.Lima

Nascida em Rio Bonito, fluminense, portanto, como Narcisa Amália (para ver a postagem sobre ela clique aqui), JÚLIA CORTINES LAXE (1868-1948) não teve o mesmo reconhecimento posterior da outra, que ainda logrou ter seu nome citado em, pelo menos, duas antologias – em outras antologias há listas enormes de escritores do sexo masculino. Essa invisibilidade acontecia, seguramente, pelo preconceito de então, visto que o crítico literário, José Veríssimo, após a publicação de seu segundo livro, em 1905, tenha declarado que "Os poemas de Júlia Cortines distanciam-se magnificamente da poesia de água-de-cheiro e de pó-de-arroz da musa feminina brasileira, e revelam em Júlia, mais que uma mulher que sabe sentir, alguém que sente com alma e coração e de forma que disputa primazias com nossos melhores poetas contemporâneos." (o texto do crítico está em O Site de Rio Bonito, de onde também foi copiada a foto – ver aqui). A crítica literária da época, na mão e na voz dos representantes de uma cultura patriarcal, caracterizam o produto poético feminino brasileiro, como se vê, pela confusão com sua autoria, minimizando tanto um quanto outra e, comparando-os sempre, com o elemento masculino. O erro principal de Veríssimo – nisso não foge muito da crítica atual, como se vê em minha postagem “O novo tom das narrativas de mulheres” (clique aqui) – é colocar toda a produção de mulheres em um saco só, como se todas fossem uma. Sua poesia é carregada e vibrante, como se pode ver no poema “Fracos”.
Poeta parnasiana, como Francisca Júlia, Júlia Laxe também colaborou em revistas como A semana e A Mensageira, da paulista Presciliana Duarte de Almeida, lançada em 19 de outubro de 1897, que se tornou um dos principais espaços da mulher escritora do final de século XIX/início de XX e onde também escreveram a citada Narcisa Amália, Anália Franco, Júlia Lopes de Almeida, Francisca Júlia (link para minha postagem), Auta de Souza (confira a postagem), nomes igualmente de peso na época. (Informação in Revistas em revista: imprensa e práticas culturais em tempos de República, São Paulo (1890-1922)) de Ana Luiza Martins – Fapesp – Edusp – pág. 374-375)

Obras

Versos (1894) e Vibrações (1905), a respeito do qual, José Veríssimo fez os elogios.

Interrogação

Júlia Cortines

Contemplo a noite: a cúpula estrelada
do firmamento sobre mim palpita;
meu olhar, que a interroga, embalde fita
o olhar dos astros, que não veem nada:

“Nessa amplitude lôbrega e infinita
que inteligência ou força inominada
numa elipse traçou a vossa estrada,
estrelas de ouro, que o mistério habita?

Dizei-me se, transpondo a imensidade,
alguma cousa a vós minha alma prende,
um vínculo de amor ou de verdade.

Dizei-me, o fim da nossa vida agora:
para que serve a luz que em vós resplende,
e a oculta mágoa que em meu seio mora?...”

O lago

Júlia Cortines

Um pouco d'água só e, ao fundo, areia ou lama,
Um pouco d'água em que, no entanto, se retrata
O pássaro que o voo aos ares arrebata,
E o rubro e infindo céu do crepúsculo em chama.

Água que se transmuda em reluzente prata
Quando do bosque em flor, que as brisas embalsama,
A lua, como uma áurea e finíssima trama,
Pelos ombros da noite a sua luz desata.

Poeta, como esse lago adormecido e mudo
Onde não há, sequer, um frêmito de vida,
Onde tudo é ilusório, e passageiro é tudo,

Existem, sobre um fundo, ou de lama ou de areia,
Almas em que tu vês, apenas, refletida
A tua alma, onde o sonho astros de ouro semeia!

Última página

Júlia Cortines

Antes de mergulhar no silêncio da morte,
Ou da idade sentir a fraqueza e o torpor,
Eu quisera lançar, num supremo transporte,
Meu grito de revolta e meu grito de horror.

Mas sei que por mais forre e por mais estridente
Que ela corra através do infinito, até vós,
Ó céus, que além brilhais numa paz inclemente,
Nem qual brando rumor chegará minha voz!

Mas sei que não há dor que a natureza vença,
E que nunca a fará de leve estremecer
Na sua eternidade e sua indiferença
O lamento que vem dum transitório ser.

Mas sei que sobre a face execrável da terra,
Onde cada alma sente, em torno, a solidão,
Esse grito, que a dor duma existência encerra,
Não irá ressoar em nenhum coração.

Contudo, num clamor de suprema energia,
Eu quisera lançar minha voz! Mas a quem
Enviar esse brado imenso de agonia,
Se para o compreender não existe ninguém?!

Fracos

Júlia Cortines

Fracos, odeio a inércia e detesto a fraqueza.
Prefiro a mão que esmaga ou que vibra o punhal
À doce e inconsciente e nefasta moleza,
Que é para a alma do forte um veneno mortal.

Como de encontro à costa, em ondas remansadas
Chora o mar, ou se atira em bravos vagalhões,
Assim de encontro a vós, almas adormentadas,
Fremem de ódio e de amor os nossos corações.

Almas fracas, fugindo à aspereza das lides,
Sem um esforço para às correntes opor,
Pelo rio do tempo arrebatadas ides,
Desta ou daquela vaga a boiar ao sabor.

Que vos importa a vós a agonia da luta,
A ânsia de possuir, o infinito aspirar?
Que vos importa a vós a decepção que enluta,
Se não sabeis querer, nem sabeis adorar?!

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Vários olhares sobre a velhice - Palavras sobre palavras 22

2010-11-06T11:48:00.013-02:00

Eliane F.C.Lima

Na atual postagem, o tema recorrente é a velhice. Os textos escolhidos são de poetas contemporâneas, com as quais já trabalhei. E, de início, pelas pistas que cada um fornece, se podem reconhecer as diferentes fases da vida em que cada ser poético está, o que lhes propicia uma avaliação divergente diante desse momento da vida.

Poema I: Martha Medeiros

envelhecer, quem sabe
não seja assim tão desastroso
me interessa perder esta ansiedade
me atrai ser atraente mais tarde
um pouco mais de idade, que importa
envelhecer, quem sabe
não seja assim tão só

O eu lírico do texto de Martha Medeiros não está na velhice ainda – “envelhecer, quem sabe...” – e, por isso, mantém uma expectativa positiva, ou, pelo menos, o benefício da dúvida, embora o leitor conclua que o conceito que faz daquela fase, recebido do senso comum, seja preocupante: “assim tão desastroso” ou “assim tão só”. Sua visão, então, se faz sobre um período que não é o seu.
Mas, se analisarmos o “um pouco mais de idade”, veremos que a concessão feita não vai muito longe, porque estabelece limites. Outro fator interessante a ser apreciado é o termo “envelhecer”, que, quer se queira ou não, é o início de um processo, não o processo completo. Ainda aqui o leitor pode detetar uma demarcação nessa expectativa positiva, como foi salientado anteriormente.

Poema II: Bicho-de-sete-cabeças

Astrid Cabral

À medida que envelheço
as sete cabeças do bicho
corto. Enfim o reconheço
íntimo de mim, meu próximo.

À medida que envelheço
conquisto-lhe o segredo.
Vejo a morte iniciação
à viagem pelo avesso.

À medida que envelheço
digo: o bicho é meu amigo.
Não, não há porque maldar
envenenando o sossego.

À medida que envelheço
sinto-me remanescente
num deserto onde tropeço
por entre sombras de ausentes.

À medida que envelheço
aprendo a perder o medo.
Todo bicho fica meigo.
É só botar no colo.

O segundo eu enunciador parece já estar no meio do estado enfocado – “À medida que envelheço” –, embora haja, ainda, a ideia de “processo” – o termo significa sucessivos estados de mudança –, o que revela uma situação não definitiva.
O “tão desastroso” do poema de Martha, também sob a opinião do senso comum, vem traduzido, em Astrid, na metáfora do “bicho” e suas “sete cabeças”. Esse eu textual, entretanto, ainda, mantém uma visão confiante nessa fase da vida: “aprendo a perder o medo”. Um exame mais cuidadoso, porém, identifica que esse sujeito, apesar do “À medida que envelheço”, continua a manter, como o do texto que o antecede, um distanciamento da velhice, vendo-a, por intermédio de sua metáfora, como “um outro” ainda apartado de si: “Enfim o reconheço/íntimo de mim, meu próximo”; “o bicho é meu amigo”; “Todo bicho fica meigo./É só botar no colo.” Pode-se supor que a visão suavizada possa vir, exatamente, desse sentimento de alteridade.

Poema III: Pedido de adoção

Adélia Prado

Estou com muita saudade
de ter mãe,
pele vincada,
cabelos para trás,
os dedos cheios de nós,
tão velha,
quase podendo ser a mãe de Deus
– não fosse tão pecadora.
Mas esta velha sou eu,
minha mãe morreu moça,
os olhos cheios de brilho,
a cara cheia de susto.
Ó meu Deus, pensava
que só de crianças se falava:
as órfãs.

O último eu poético já assume inteiramente a velhice. Aqui não há processo, mas o ciclo completado. A tal ponto, que a ideia de uma mãe idosa se impõe ao reconhecer sua própria figura. Diante do “Mas esta velha sou eu,/minha mãe morreu moça,”, somos, imediatamente, remetidos para os versos de Helena Kolody (ver postagem minha anterior, aqui): A morte desgoverna a vida./Hoje sou mais velha/que meu pai. E a sensação de abandono da velhice – aqui a gente reconhece o “assim tão só” do primeiro poema – vem envolta na “muita saudade/ de ter mãe”, na orfandade, clara no último verso. O sentimento do derradeiro texto é bem diverso dos anteriores e o tema da velhice é inteiramente o tema desse eu lírico. Para o sujeito do poema de Adélia Prado o “bicho” não é amigo, nem ficou meigo. Quem necessita de colo, como as crianças – que é da mãe, tão perfeita para essa função? – é aquela que se reconhece “tão velha”, atadas, deste modo, em sua necessidade de proteção, as duas pontas da vida.

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"Essa gente raivosa" - Comentando... 13

2010-10-24T10:19:00.023-02:00

Eliane F.C.Lima

Aos cinquenta e nove anos, conhecendo pessoas de todos os tipos, o ser humano, contudo, ainda tem me surpreendido. Vejo que, nesse aspecto, ainda morrerei menina.
Primeiro: surpreendi um de meus textos deste espaço, adulterado, numa suposta brincadeira, no blogue de uma pessoa com quem me correspondia por e-mail e a quem tinha em grande consideração intelectual – será isso a que chamam “fogo amigo”? Mesmo assim, aguardei desse “quem”, sabedor ele de que eu reconheci meu texto, até hoje, um e-mail, que, pelo menos explicasse o fato, coisa que fazem pessoas adultas, para usar um atributo bem isento, o que teria amenizado a decepção no campo das ideias e, provavelmente, teria alimentado nossa amizade, levando-a adiante.
Se imagino, ainda agora que tal pessoa não me respeita profissionalmente, o mesmo sentimento sobre ela me ficou e acabará se sedimentando, o que é lamentável. Nenhum desapontamento me cala mais fundo do que o intelectual.
Segundo: tendo declarado em meus três blogues meu voto a Dilma Rousseff, coisa que o farei de novo, no dia 31-10, a maioria de meus frequentadores assíduos desapareceu. Numa certa época, isso era chamado de “patrulhamento ideológico”. No respeitável blogue Céu aberto (vá por aqui), há uma postagem, na qual se diz a mesma coisa, para se verificar que não é apenas uma vazante de maré deste meu blogue ou sensaboria de meus textos.
Ainda me recuperando da decepção virtual, fui surpreendida por uma decepção ao vivo e a cores, principal motivo daquele título lá em cima. No último dia 20 de outubro, estando eu no Rio de Janeiro – grande saudade! – e tendo recebido um botom do PT de presente – não acho os meus depois da mudança de casa –, coloquei-o imediatamente em meu peito.
Ao entrar em um restaurante de autosserviço – ora do almoço, ninguém sabia ainda da famosa história da bolinha de papel –, fui até a banca de comida, prato na mão, aproximando-me, involuntariamente, de duas pessoas. Uma delas, uma senhora bem idosa e muito bem vestida, acompanhada de outra com o mesmo requinte, mas um pouco mais nova, e que talvez tenha me confundido – do lado em que estava não via meu botom –, mostrou-me à segunda, indicando-me como “amiga” da outra. O sorriso meigo dela me mostrava o engano. Retribui o sorriso. Então fui surpreendida com o maior ataque de que já fui vítima: sem nenhum motivo, sem eu ter aberto minha boca em momento nenhum, a “requintada” senhora começou a me agredir, dizendo que não era minha amiga, que jamais seria amiga de uma pessoa do PT, que tinha alergia a “essa gente”, que não gostava das atitudes do pessoal do PT. E começou a falar alto com a idosa, a empurrá-la, dizendo que a outra fosse sentar à mesa, visivelmente furiosa, quando eu lhe respondi que também não queria ser amiga dela e que estava claro que ela era amiga do outro candidato.
Vi a volta de um vocabulário de que eu havia me esquecido e que pensei que estava sepultado após o governo Lula, época em que mostrou que o partido não é insensato nem toma nenhuma atitude radical. Pelo contrário, a esquerda mais inflexível, por assim dizer, andou acusando seu governo de estar se dirigindo para o centro, imaginem. A prova da seriedade e confiança no partido foi todo o capital estrangeiro aqui aplicado, não havendo aqui nenhum elogio meu a esse fato, apenas a prova de que os de fora superaram a desconfiança “nessa gente”. A agressão me horrorizou, sentimento que já vinha me dominando pelas tentativas de algumas pessoas mostrarem ainda o partido como terrorista em todos os e-mails falaciosos que circularam pela rede e pela farsa montada sobre o ataque ao tucano, endossada pela mídia mais perigosa, que morre de medo de ter regulamentada a lei que tira de suas mãos o cartel e o direito de decidir sobre a república (do termo latino res – coisa – pública) e a democracia, mídia que recorreu a um autoproclamado “perito” – ver no site do jornalista Luiz Carlos Azenha , reprodução das declarações dos verdadeiros peritos no trecho intitulado “Desafio de peritos” (este é o caminho).
Então eu vejo que não era à toa que Adriana Calcanhoto cantava “eu não gosto do bom gosto,/eu não gosto do bom senso”, numa franca ironia aos que se sentem “finos” e donos da verdade. Elite, enfim. Que perde a pose, desce do salto e mostra seus mais vis instintos humanos, quando imagina que está sendo ameaçada naquilo que é seu direito: manter o povo longe do poder... e de si. Quantas vezes não ouvi eu, cinicamente, "dessa gente", que afinal, a sociedade precisa de “garis e empregadas domésticas”?
Podemos ver que o epíteto era atribuído ao grupo errado e “essa gente raivosa”, da qual aquela senhora bem vestida é uma sinédoque (a parte pelo todo; o indivíduo pela espécie), havia estado calada durante oito anos, mas está apenas aguardando para mostrar-se novamente, se possível, ainda nesta eleição ou de qualquer outra forma – alguns têm mencionado um golpe, agora explícito, quando as forças que se mostram midiaticamente perderiam a vergonha – para continuar a sequestrar pessoas, levá-las para os porões, torturá-las, seviciá-las, esquartejá-las. Estava lá a operação OBAN – operação Bandeirantes (ver maiores esclarecimentos no site da Wikipédia), que não me deixa mentir, tendo os militares, sozinhos, levado a culpa daquilo que a sociedade civil ajudou a construir.
Enfim, o meio não importa, o ser humano sempre arranjará um jeito de mostrar sua verdadeira natureza. Já dizia um sábio amigo meu que “essa gente raivosa” usa roupas caras, frequenta lugares elegantes e não usa botom.

É à custa dos "que têm fome" que a minoria ainda mantém seu "bom gosto" e seu "bom senso". A canção que você ouviu é de autoria de Adriana Calcanhotto e denomina-se “Senhas”. Está no CD de mesmo nome. Aconselho a compra da obra, como eu fiz. Lá estão também as canções “Mentiras” e “Esquadros”. Custa bem pouco para o enorme valor que tem. E se paga à autora o que ela tem direito. Agradeço ao Youtube o vídeo (está aqui).

Convido meus leitores a meu blogue Conto-gotas (link) e Poema Vivo (link). Estou ainda em Debates Culturais (link), onde passo, agora a publicar alguns artigos, bastando um clique, na lista "Colunistas", à direita, em Eliane Lima. Recomendo ainda, nesse mesmo endereço, a excelente Cintia Barreto, além de todos os outros.

O coração lírico e militante de Jacinta Passos - Literatura de ontem 15

2010-10-09T12:42:00.019-03:00

Eliane F.C.Lima

A poeta sobre a qual comentarei hoje, Jacinta Passos (Recôncavo baiano - 1914-1973), era uma mulher excepcional, no sentido mais literal da palavra, pois já a partir de 1939, ano do início da Segunda Guerra Mundial, apesar de haver recebido forte formação religiosa, comum na época, começou a ter intensa militância política, lutando por questões relevantes sociais, como a paz mundial, contra o fascismo, a opressão das mulheres e das minorias exploradas, de uma forma geral. Um de seus textos mostra, poeticamente, esse mundo interior que possuía.

Canção da liberdade

Eu sou planta sem raiz
que o vento arrancou do chão,
já não quero o que já quis,
livre, livre o coração,
vou partir para outras terras,
nada mais eu quero ter,
só o gosto de viver.

Nada eu tenho neste mundo,
sozinha!
Eu só tenho a vida minha.
(trecho do poema in Canção da partida)

Professora por formação, no novo caminho que escolhera, acaba se relacionando com intelectuais comunistas, como o escritor Jorge Amado, com cujo irmão, James Amado, se casaria mais tarde. Sua filha Janaína Amado é fruto desse casamento.
Em 1945, já está oficialmente ligada ao Partido Comunista Brasileiro, onde permanece até morrer.
Muda-se depois – 1951 –, com sua nova família para São Paulo e, em seguida, para o Rio de Janeiro.

No final desse mesmo ano, um fato marca sua vida e a separa do marido e da filha: após crise nervosa e de se ver internada em clínica psiquiátrica, recebe o diagnóstico de esquizofrenia, tendo seu tratamento, compatível com o que se acreditava na ocasião, lhe proporcionado grande sofrimento.

Voltando para Salvador, só, embora mantenha relacionando ocasional com a filha, vai residir com os pais, mas continua sua atuação política e social em comunidades pobres, como em uma colônia de pescadores de Aracaju, onde vivia ela mesma em extrema pobreza.

Continua sua atuação mesmo após o golpe militar de 1964, o que lhe vale, em 1965, a prisão, quando escrevia em muros da cidade sua revolta à ditadura. Sua família interfere, alegando seu problema psiquiátrico, e Jacinta é internada numa casa de saúde da cidade, onde fica até sua morte – 1973 –, com apenas cinquenta e oito anos de idade.

Apesar de ter sua vida ligada à de Jorge Amado, não é por esse motivo que se torna poeta, é bom que se deixe claro, pois seu primeiro livro de poesias, Nossos poemas, já sai em 1942, dividido em duas partes: “Monumentos de poesia”, com poemas de Jacinta; “Mundo em agonia”, com poemas de Manoel Caetano Filho, seu irmão. O livro já foi recebido com críticas favoráveis aos dois na imprensa baiana.

Obras

Poemas

Nossos poemas (1942 – Salvador: Editora Bahiana)
Canção da Partida (1945 – São Paulo: Edições Gaveta – edição de apenas duzentos exemplares, assinados pela autora e ilustrados pelo grande artista Lasar Segall, tendo recebido elogios de nomes nacionais como Aníbal Machado, Antonio Cândido, Mário de Andrade, dentre outros).
Poemas políticos (1951 - Rio de Janeiro: Livraria-Editora da Casa do Estudante do Brasil - poemas inéditos, políticos e líricos, além de uma seleção de poesias anteriores).
A Coluna (1957 - Rio de Janeiro: A. Coelho Branco Filho Editor). O volume contém um longo poema épico, de quinze cantos, sobre a Coluna Prestes).

Em 2010, sua filha Janaína Amado, escritora e historiadora, organiza o livro Jacinta Passos, coração militante, lançado, em conjunto, pelas editoras Edufba (da Universidade Federal) e pela Corrupio, reunião da obra completa da escritora, com artigos jornalísticos e inéditos, além da fortuna crítica. Os desenhos de Lasar Segall, do livro Canção da partida, são trazidos de volta. A admiração da filha por Jacinta fica bem patente, não só pela obra publicada, fazendo ressurgir toda a produção da mãe, mas por dois espaços (aqui – este artigo está reproduzido lá – e aqui – site oficial) na internet a ela dedicados e aos quais agradeço. Foi do primeiro link que partiu a facilitação de minha pesquisa, encaminhada aos diversos outros sites onde se informou sobre a poeta e aos quais estendo meu agradecimento. No segundo, pode-se visitar poemas e prosa da escritora.

Escrevendo Jacinta Passos, em jornais e revistas, um de seus temas, como foi dito, era a denúncia da opressão sofrida pelas mulheres, o que se refletiu até em seus poemas, como os abaixo:

Canção Simples

A flor caída no rio
que a leva para onde quer
sabia disso e caiu,
seu destino é ser mulher.

Mulher que tudo já deu
homem que tudo tomou,
é mulher que se perdeu,
é homem que conquistou.
(Canção da Partida)

Chiquinha

Chiquinha
Chiquinha
tão frágil,
magrinha.
Teu corpo miúdo,
O tempo secou,
As formas redondas,
o tempo gastou.

(...)
Teu corpo cansado
lutou no Egito
as mãos, mãos escravas,
abanaram leques
e teu corpo nu,
teus seios morenos
e teus pés pequenos
dançaram lascivos,
ligeiros, airosos,
deleitando o tédio
de reis ociosos.
Chiquinha,
teu corpo cansado,
foi corpo explorado
na Mesopotâmia,
na Pérsia e Turquia
- haréns de sultão –
foi pária na Índia,
na China e Japão.
Teu corpo explorado
foi mercadoria,
espada e cavalo
e vinho, foi orgia
na Arábia lendária,
de ardência e magia.
(…)

Chiquinha
Chiquinha
durante dez séculos,
teu corpo fechado
nas torres feudais
de imensos castelos
foi corpo arrancado
da terra, da vida,
corpo sem raiz,
feito puro de espirito,
mistério e tabu,
teu corpo adorado
foi corpo explorado.
(Canção da Partida)

Canção da partida

Bernadete é preta
é preta que nem tição.

Bernadete é pobre,
é pobre sem um tostão.
(...)

- Pelo sinal da pobreza!
- Pelo sinal de mulher!
- Pelo sinal!
da nossa cor!

Nós somos gente marcada
- ferro em brasa em boi zebu –
ninguém precisa dizer:
Bernadete, quem és tu?
(Canção da partida)

Abaixo coloco alguns de seus textos do livro Poemas políticos, embora eu deva salientar que a poesia vai muito além de uma questão momentânea. Mas quem sou eu para discutir com a autora o título que ela mesma lhe deu.

1935

Tenso como rede de nervos
pressentindo ah! novembro
de esperança e precipício.

Fruto peco.

Novembro de sangue e de heróis.

Grito de assombro morto na garganta,
soluço seco dor sem nome. Ferido.
De morte ferido. Como um animal ferido. Luta
de entranhas e dentes. Natal.
Sangue. Praia Vermelha.

Sangue.
Sangue. É quase um fio
escorrendo
sangrento
tenaz
por dentro dos cárceres,
nas ilhas
e nos corações que a esperança guardaram.
(Poemas políticos)

Canção atual

Plantei meus pés foi aqui
amor, neste chão.

Não quero a rosa do tempo
aberta
nem o cavalo de nuvem
não quero
as tranças de Julieta.

Este chão já comeu coisa
tanta que eu mesma nem sei,
bicho
pedra
lixo
lume
muita cabeça de rei.

Muita cidade madura
e muito livro da lei.

Quanto deus caiu do céu
tanto riso neste chão,
fala de servo calado
pisado
soluço de multidão.

Coisas de nome trocado
– fome e guerra, amor e medo –

Tanta dor de solidão.

Muito segredo guardado
aqui dentro deste chão.

Coisa até que ninguém viu
ai! tanta ruminação
quanto sangue derramado
vai crescendo deste chão.

Não quero a sina de Deus
nem a que trago na mão.

Plantei meus pés foi aqui
amor, neste chão.
(Poemas políticos)

Mas devemos nos deliciar também com os poemas líricos de Jacinta, os quais têm a mesma força dos de cunho libertário. Em uma linguagem simples e direta, como foi a ação em sua vida, sem jogos figurativos muito requintados, atinge em todos a poesia que emociona.

Canção do amor livre

Se me quiseres amar
não despe somente a roupa.

Eu digo: também a crosta
feita de escamas de pedra
e limo dentro de ti,
pelo sangue recebida
tecida
de medo e ganância má.
Ar de pântano diário
nos pulmões.
Raiz de gestos legais
e limbo do homem só
numa ilha.

Eu digo: também a crosta
essa que a classe gerou
vil, tirânica, escamenta.

Se me quiseres amar.

Agora teu corpo é fruto.
Peixe e pássaro, cabelos
de fogo e cobre. Madeira
e água deslizante, fuga
ai rija
cintura de potro bravo.
Teu corpo.

Relâmpago depois repouso
sem memória, noturno.
(Poemas políticos)

Cantiga de Ninar

Senhora Onda do Mar
vestida de verde com franjas de luar,
ninai meu filhinho fechai seu olhinho
seu soninho velai
que mamãe precisa fazer com papai,
Senhora Onda do Mar,
um planeta novo de neném morar.

Su su su
Quem dorme na lagoa
é sapo-cururu.

(Canção da Partida)

Diálogo na sombra

– Que dissestes, meu bem?

Esse gosto.
Donde será que ele vem?

Corpo mortal.
Águas marinhas.

Virá da morte ou do sal?
Esses dois que moram no fundo e no fim.

– De quem falas amor, do mar ou de mim?

(Canção da Partida)

Fecho a postagem com um poema de Jacinta Passos, que, parecendo antever sua grande ação social e seu final de vida, resume-a, assim, em 1942. Doente e com problemas de saúde, o que ficou da escritora foi mesmo sua essência lírica, o que atravessou o túnel do tempo e a traz de volta. Não é o que se diz dela, dados ligados à história do país, de um “indivíduo”, afinal, o que a marca mais fortemente, mas a força e verdade de um sujeito poético

Eu serei Poesia

A poesia está em mim mesma e para além de mim mesma.
Quando eu não for mais um indivíduo,
eu serei poesia
Quando nada mais existir ente mim e todos os seres,
os seres mais humildes do universo,
eu serei poesia.
Meu nome não importa.
Eu não serei eu, eu serei nós,
serei poesia permanente,
poesia sem fronteiras.

O que o texto revela - Palavras sobre palavras 21

2010-10-04T09:40:00.004-03:00

Eliane F.C.Lima

Começo, chamando a atenção para o fato de que este blogue completou, no dia 21 de setembro, agora, um ano. É herdeiro do Literatura em vida, que lá ficou, com problemas de operacionalização. Convido o leitor a ler minha primeira postagem, clicando no link.

Neste ensaio, faço a análise de quatro contos da antologia Os cem menores contos brasileiros do século1, organização de Marcelino Freire, utilizando-me de conceitos defendidos por Umberto Eco em Os limites da interpretação2. A escolha dos textos se deu por seu tamanho e por serem construídos em cima de vazios a serem preenchidos na leitura, que desafiam o leitor em seu processo de entendimento do texto.
A discussão do semiólogo se faz, em grande parte, sobre três elementos que sempre vêm à baila, quando se fala sobre a interpretação de um texto: o que o autor quis dizer ou disse – a intentio auctoris –; a estrutura propriamente dita do texto, com o sistema de significações em que se ampara, independentes das ambições do autor – sua intentio operis – e, finalmente, o leitor, que, modernamente, depois da estética da recepção, foi trazido à frente da cena, com sua interpretação, baseada em seus próprios sistemas de significação, que são motivados por seus aspectos culturais, históricos, ideológicos e até por seus desejos, seu “horizonte de expectativas” – a intentio lectoris – neutralizado o autor, enfim.
Que o leitor realiza, em termos pragmáticos, o texto é uma verdade inegável. Devo concordar com Eco, no entanto, quando salienta que o leitor cria uma hipótese (ou várias) sobre a intentio operis, que deve ser aprovada ou rejeitada inteiramente pelo todo orgânico coerente do texto, o qual tem mecanismos internos que possibilitam o controle sobre as interpretações.
Vamos começar, lendo um texto de Adrienne Myrtes, daquela antologia:

Caiu da escada
e foi para o andar de cima.

Uma leitura que entenda que o conto acima versa “sobre um soldado, que havia partido para a guerra e voltado apaixonado por uma enfermeira”, por exemplo, seria inteiramente repelida por qualquer pessoa que dela tomasse conhecimento. Com um exemplo desse tipo, Eco começa a mostrar que um texto já traz em si as possibilidades aceitáveis ou não, com o que todos temos de concordar. Na verdade, se aceita, tal interpretação valeria para qualquer um dos textos a seguir. A negação inviabiliza a ideia de que haja obra aberta ou de interpretação ilimitada.
Façamos agora uma leitura de significação literal – ou grau zero, como o estudioso nomeou –, entendendo todos os termos em seu sentido mais simples. Bem, isso tornaria o texto, no mínimo, surreal, pois “caiu” invalidaria o “de cima”. Mas esse significado não pode ser inteiramente descartado, visto que o nonsense é uma possibilidade literária. Porém a própria aceitação dessa leitura já anula o termo “sentido mais simples” e instaura, ao contrário, uma visão bastante sofisticada.
Podemos entender, entretanto, “foi para o andar de cima” como morte. Nesse caso, esse significado depende que um leitor traga já para a cena interpretativa esse conhecimento da expressão. Aqui seria o caso de coincidência entre intentio lectoris e intentio operis (possibilidade guardada no texto). Ouso dizer que vejo aí também a intentio auctoris.
Vamos nos debruçar sobre outro texto, de Ronaldo Correia de Brito.

Fumaça

Olhou a casa, o ipê florido.
Tudo para ela.
Suspendeu a mala e foi.

Agora, a liberdade do leitor parece mais garantida pelo próprio texto. Os versos permitem uma mudança radical de perspectiva: alguém que chega a uma casa ou que parte daquela mesma casa, desiludido. Esse mesmo ser pode ser o “ela” a quem o pronome se refere ou um outro que se sente preterido. Até o “suspender” tem a possibilidade de ser lido com o sentido literal ou como “desistir de”, entendendo-se o “foi” como “voltar” ou “ficar”. Todas essas probabilidades estão previstas na indecisão que o texto contém, através de seus mecanismos internos de controle.
O conto a seguir exige do leitor uma visão das circunstâncias momentâneas e ouso dizer que um leitor de outra época não chegará ao mesmo significado ou ficará preso ao sentido literal, perdendo toda a ironia e humor presentes no texto. Lerá um outro texto. Aqui, a bagagem cultural do leitor é fundamental para a realização do significado.
Observemos o “estar denunciando”, o gerundismo, como tem sido chamado, e que tem caracterizado pessoas que trabalham com atendimento, quase sempre, pelo telefone. O formalismo do pronome “senhor” permite a conclusão de que alguém fala com outro hierarquicamente superior numa relação trabalhista. O título completa a relação que os elementos do texto estabelecem.

Assédio sexual

Sérgio Móia

Eu vou estar
denunciando o senhor ainda hoje.

O último texto também prevê um leitor preso ao presente pelo tema instaurado pelo título.

Pedofilia

Marcelino Freire

Ajoelhe, meu filho.
E reze.

Parece, entretanto, querer segmentar esse tema: valendo-se de um ditado popular, agrega-lhe, além de seu significado metafórico, um outro literal, de religiosidade, na ligação que estabelece com o título, remetendo aos escândalos que a mídia tem estampado atualmente. Deve-se perceber que, se o texto afiança tal entendimento, pode-se entender que essa era, realmente, a intenção do autor, que, afinal, vive em seu texto.

Aguardo você em Poema Vivo (aqui) e Conto-gotas (aqui). Há poema e conto novos ali.

Outro caso de mulher - Comentando 12

2010-09-19T12:28:00.011-03:00

Eliane F.C.Lima

Minha postagem estava marcada para semana que vem. Mas não posso deixar de fazer uma chamada para o excelente blogue Scenarium de minha amiga e poeta Marise Ribeiro. Ali há uma matéria interessante e informativa sobre Artemisia Gentileschi que, como outras artistas como Camille Claudel, por exemplo, foi violentada por aquilo que Simone de Beauvoir chamou, ironicamente, de "destino de mulher". Convido meu visitante a ir até lá com urgência (link). Há, inclusive, muitas outras postagens para serem apreciadas. O quadro ao lado denomina-se "Judite decapitando Holofernes", tema caro a outros pintores, mas cheio de significações nesse caso específico.

Visite, ainda, meus blogues Poema Vivo (link) e Conto-gotas (link).

O perfume da poeta maior - Literatura, já 18

2010-09-12T12:15:00.016-03:00

Eliane F.C.Lima

Minha postagem de hoje é sobre Helena Kolody e corro o risco de ser confundida com o escritor de novelas, visto que essa é a terceira com o mesmo nome. Mas por ela vale a pena se correr riscos.

A escritora era paranaense (1912 — 2004) e foi a primeira mulher, no Brasil, a publicar haicais (ainda haikais ou haicu), um tipo de composição poética japonesa de três versos, que pretendia passar um máximo de sensações com uma concisão de palavras. Um antigo poeta japonês, um “haijin” ou haicaísta, Matsuô Bashô (1644-1694), elevou tal tipo de poema à arte, como prática espiritual, pois antes dele, era apenas uma forma de entretenimento dos samurais e comerciantes abastados.
Inicialmente, o poema devia ter um verso de cinco sílabas, o segundo de sete e outro de cinco, completando dezessete. Não seria rimado, mas devia enfocar a natureza ou a estação do ano. Mas, claro, os poetas brasileiros não aceitaram essas imposições, como era de nosso temperamento e Guilherme de Almeida, por exemplo, um dos mestres do haicai, usou muito a rima, às vezes internamente:

O pensamento

Guilherme de Almeida

O ar. A folha. A fuga.
No lago, um círculo vago.
No rosto, uma ruga.

Paulo Leminsky, o poeta, traduziu Bashô. E a citação de Leminski (leia um poema dele e meu comentário, clicando aqui), nesse momento, vem do fato dele, além de ser um dos principais escritores de haicais e paranaense também, ser amigo e admirador de Helena Kolody, a quem elogiou sem restrições. Abaixo, exemplos de Bashô e Leminski

Solidão

Bashô

Velho tanque.
Uma rã mergulha.
Barulho da água.
(uma das traduções livres: por Cecília Meireles em Escolha o seu sonho – 1974)

Paulo Leminski

soprando esse bambu
só tiro
o que lhe deu o vento

Mas voltemos à Helena Kolody, que recebeu da comunidade nipo-brasileira de Curitiba, em 1993, o nome haicaísta “Reika” por difundir a poesia japonesa, nome que tem uma significação imprecisa, como “perfume da poeta maior”, por exemplo. O sentido do nome, então, marcaria o encanto que o leitor tem com aquele tipo de poema e sua autora.
Vamos ver um haicai de Helena Kolody, com algumas observações em seguida:

Pereira em flor

Helena Kolody

De grinalda branca,
Toda vestida de luar,
A pereira sonha.

No texto anterior, vemos uma fidelidade maior ao tipo tradicional de composição: o tema é a natureza. Formalmente, não tem rima e está dividido da seguinte forma:
verso 1: De.gri.nal.da.bran (são cinco sílabas, pois a contagem deve ir até a última sílaba tônica);
verso 2: To.da.ves.ti.da.de.luar (são sete sílabas, pois a última palavra deve ser lida como contendo um ditongo. Esse recurso se denomina "sinérese");
verso 3: A.pe.rei.ra.so (são cinco sílabas, pelo mesmo motivo do verso 1).

Abaixo, seguem-se outros haicais da poeta, já criados de forma mais flexível, com maior grau de liberdade.

Areia

Da estátua de areia,
nada restará,
depois da maré cheia.

Avesso

Seu olhar profundo
olha na poça d'água
e enxerga estrelas no fundo.

Gestação

Do longo sono secreto
na entranha escura da terra,
o carbono acorda diamante.

Luz Interior

O brilho da lâmpada
no interior da morada
empalidece as estrelas.

Sem aviso

Sem aviso,
o vento vira
uma página da vida.

Outros haicais, sem nome específico, o que era outra tendência mais clássica.

Haicais

Deus dá a todos uma estrela.
Uns fazem da estrela um sol.
Outros nem conseguem vê-la.

Xxxx

Corrida no parque.
O menino inválido
aplaude os atletas.

xxxxxxx

O brilho da lâmpada,
no interior da morada,
empalidece as estrelas.

Xxxxxxxx

Tão longa a jornada!
e a gente cai, de repente,
no abismo do nada

xxxxxxxxxxxxxxx

A morte desgoverna a vida.
Hoje sou mais velha
que meu pai.

Mas a poeta não fez apenas haicais. Talvez pela prática ou por seu estilo poético mesmo, seus poemas tenham mantido sempre a simplicidade, um alto grau de limpidez, a precisão característica daquelas composições. A gente quase que identifica, em cada estrofe, um haicai.
Os temas foram, muitas vezes, a análise do ser humano e suas eternas circunstâncias, a inexorabilidade da vida diante da morte.

Antes

Helena Kolody

Antes que desça a noite,
imprimir na retina
os rostos amados,
o sol
as cores,
o céu de outono
e os jardins da primavera.

Inundar de sons
de vozes
e de música eterna
os ouvidos
antes que os atinja
a maré do silêncio.

Conquistar
os pontos culminantes
da vida,
antes que se esgote
o prazo de permanência
em seu território sagrado.

Pânico

Helena Kolody

Não há mais lugar no mundo.
Não há mais lugar.

Aranhas do medo
fiam ciladas no escuro

Nos longes, pesam tormentas.
Rolam soturnos ribombos.

Súbito,
precipita-se nos desfiladeiros
a vida em pânico.

Limiar

I

Helena Kolody

Da soturna jornada
Pelas brumosas sendas
Da anestesia,
Não guardei memória.

Sou um pêndulo que oscila
Dos limites da vida
Aos limites da morte.

Rubros lobos me espreitam silentes,
Numa densa garoa vermelha
Que lateja no ritmo da febre.

Venho à tona, por segundos,
E volto ao limo do sono.

Da sede, brota em meu sonho uma fonte:
Água fria em chão de pedra.
No fundo, uma alga se espreguiça
E essa alga sou eu.

Exilados

Helena kolody

Ensimesmados,
olham a vida
como exilados
fitando o mar.

Não estão no mundo
como quem o habita.
Estão de visita
num planeta estranho.

Oscilação

Helena Kolody

A cada oscilar do pêndulo
algo se apaga
ou para nós termina.

De segundo em segundo,
algo germina
ou para nós floresce.

Jovem

Helena kolody

Suporta o peso do mundo.
E resiste.

Protesta na praça.
Contesta.
Explode em aplausos.

Escreve recados
nos muros do tempo.
E assina.

Compete
no jogo incerto da vida.

Existe.

Tempo

Cai a areia da vida
Na ampulheta da morte.

Grafite

Meu nome,
desenho a giz
no muro de tempo.

Choveu,
sumiu.

A poeta também escreveu largamente sobre as viagens que o homem empreendeu ao espaço. Mas, longe de ser uma apologia à tecnologia, Helena reconheceu no fato a mesmice humana, a repetição de sua condição de ser problemático, sendo a adoção da máquina e a descoberta do espaço um desdobramento das relações que estabelece em seu planeta. Tais poemas, enfim, quase sempre, foram uma reflexão social e filosófica sobre ele.

Astronave

Helena Kolody

Soberbo monumento da astronáutica
num pedestal de cifras.
Bezerro de ouro,
cosmonave!
Milhares de famintos
baixaram ao vale da morte,
para que pudesse subir.

Selenita

Helena Kolody

O homem irá viver na Lua,
em cavernas.

Como se alegrará o troglodita,
soterrado em sólidas camadas
de civilização...

Obras

Poemas

Paisagem interior (1941- publica aqui os primeiros haicais); Música submersa (1945); A sombra no rio (1951); Poesias completas (1962); Vida breve (1965); Era espacial e Trilha sonora (1966); Antologia poética (1967); Tempo (1970); Correnteza (1977); Infinito presente (1980); Poesias escolhidas (1983, poemas traduzidos para o ucraniano); Sempre palavra (1985); Poesia mínima (1986); Viagem no espelho (1988, reunião de livros anteriores) ; Ontem, agora (1991); Reika (1993); Sempre poesia (1994 – antologia); Caixinha de música (1996); Luz infinita (1997, edição bilíngue); Sinfonia da vida (1997, antologia e depoimentos da poetisa); Helena Kolody por Helena Kolody (1997, CD especial para a coleção Poesia Falada); Poemas do amor impossível (2002, antologia)

Em prosa: Memórias de Nhá Mariquinha (2002).

Meu desejo, com esta postagem, é ajudar a difundir a obra de Helena Kolody, que não teve um reconhecimento nacional à altura de seu talento (a foto acima é do Google).

Convido a quem apreciou esta postagem a ir até meu blogue de poesias Poema Vivo (link) e o de contos, Conto-gotas (link). c

O novo tom das narrativas de mulheres - Palavras sobre palavras 20

2010-08-29T09:29:00.016-03:00

Eliane F.C.Lima

Pode-se ler, ainda, nos mais diferentes artigos de crítica, que o tom confessional é uma das características do discurso literário feminino, mesmo quando esse discurso se faz em um texto ficcional. E raramente esse atributo é visto como uma qualidade a ser louvada, pelo contrário. Normalmente estabelece um elo, que acaba tornando todos os textos, das mais variadas tendências, como de uma autoria só: mulher. E se nota, mesmo sem intenção, que esse dado o desqualifica como texto literário de primeira linha, encarado apenas como uma autobiografia chorosa.
O estranhamento da colocação se dá por vários motivos. Um deles é que se deve salientar que há um número enorme de textos de autoria de homens, marcadamente confessionais, como os de James Joyce e Marcel Proust, só para citar dois nomes de enorme peso. Mas ninguém se atreveria a anular suas individualidades literárias marcantes e a vê-los apenas como gênero masculino.
Em segundo lugar, cabe a pergunta sobre o que é um texto com tom confessional. Narrado em primeira pessoa e falando de si e de suas dúvidas e questões? Se o critério fosse esse, se correria o risco de cair na armadilha de se considerar Dom Casmurro um texto de caráter confessional: Bentinho, um homem torturado pela dúvida e pelo ciúme, já maduro, empreende uma narrativa autobiográfica, tentando justificar suas ações em relação à mulher amada e ao filho, enumerando juízos extremamente subjetivos sobre o comportamento daquela. Não, o critério não é esse, pois analista nenhum nunca teve dúvida de que aquele romance é pura ficção, que o protagonista e narrador é uma personagem, estando o matiz subjetivo do dito Dom Casmurro bem apartado do próprio Machado, logicamente. Mas essa compreensão dicotômica da realidade intraobra, que parece tão óbvia nesse caso, no que se refere à construção narrativa de autoria de mulher, não tem a mesma sorte.
Os analistas não enxergam, nas vozes que enunciam e se movimentam nelas, seres criados e verdadeiros apenas dentro daquele universo narrativo, independentes da condição de gênero de quem o cria. O lamento é sempre entendido como o de uma mulher, a autora, a qual se esconde, sem consciência, imaginam, atrás de uma boca que se confunde com a sua. Para a autoria de mulher, o velho e verdadeiro “o poeta é um fingidor” do Pessoa, e que pode ser estendido para qualquer criação literária, não vale. Desse modo, a escritora tem negada sua capacidade fabulística.
Lembro-me bem do dia em que, informando a um especialista em literatura de que havia analisado os romances de Lya Luft em minha tese de doutorado, o inexorável “tom confessional”, agora em relação à escritora citada, foi posto na conversa, como justificativa para seu desinteresse em relação a ela, sem qualquer disfarce do sentimento de pouco caso, como se todas as suas personagens femininas fossem tão somente a própria escritora, desdobrada diversas vezes em suas páginas.
Hans Robert Jauss, em sua teoria da recepção, retomando Husserl, faz alusão ao conceito de “horizonte de expectativas” de todo leitor, condicionado por fatores de natureza histórica, sociológica, cultural, estética, mas, principalmente, ideológica (crenças e conceitos adquiridos, dentre outros), quadro de referência que, como aliás em qualquer interpretação inespecífica diante do mundo, é posto em ação, consciente ou inconscientemente, em seu contato com um novo texto. Visto assim, ouso imaginar que um texto de autoria de mulher já estaria, em muitos dos casos, antecipadamente preso a um projeto de leitura, não só porque houve uma época em que os textos de mulheres refletiram sobre si – olhar inicial e oportunidade única de tomar em suas mãos as rédeas da discussão e da descrição sobre elas, o que sempre havia partido e era privativo da visão masculina –, mas também pela memória que os leitores têm de suas condições sociais, econômicas e culturais, memória clichê da qual as mulheres não conseguiram se livrar inteiramente. Portanto a pretendida coloração intimista não é um dado imanente aos textos de autoria feminina, mas está muito mais nas expectativas estereotipadas do receptor sobre ela.
Esse olhar teimoso e anacrônico não faz mais sentido, pois, marcadamente na literatura pós-moderna, as mulheres já superaram suas antigas questões e, inseridas na vida social, refletem sobre o mundo, independentemente de sua condição de gênero e, através de suas narrativas e suas personagens, da mesma forma que se dá com os escritores, questionam todos os aspectos variadíssimos de suas vidas de seres humanos. As mulheres já não se investigam obsessivamente, mas passeiam seu olhar em volta, com a finalidade de agir sobre o mundo.

Aconselho ao visitante a conferir minha postagem sobre Luci Collin, testemunho do que digo.

(Agradeço ao Google a foto acima)

Renovo o convite para meu leitor visitar os blogues Conto-gotas, que hoje completa seu primeiro aniversário (aqui), e Poema vivo (siga).

O metadiscurso de Adriana Lisboa - Literatura, já 17

2010-08-15T10:05:00.029-03:00

Eliane F.C.Lima

Adriana Lisboa faz parte da novíssima geração de escritoras brasileiras. Carioca (1970), morou na França, no Japão e, atualmente, nos Estados Unidos.
Embora tenha começado sua carreira no romance, sua coletânea de contos curtos Caligrafias, talvez, seja a mais difundida. Seus livros foram divulgados na Europa e nos Estados Unidos, tendo integrado diversas antologias, tanto aqui como no exterior.
Seu romance Sinfonia em branco recebeu o prêmio José Saramago, em Portugal (A foto acima é de Daniel Mordzinski).

Obras:
Romances: Os fios da memória (Rocco, 1999); Sinfonia em branco (Rocco, 2001); Um beijo de colombina (Rocco, 2003); Rakushisha (Rocco, 2007).
Contos: Caligrafias (Rocco, 2004).
Escreveu também livros infantis e juvenis e participou de inúmeras antologias.

Para aprofundamento de sua biografia, recomendo uma visita a seu site oficial, clicando aqui e a leitura de sua entrevista em “Saraiva Conteúdo” (veja aqui).

Vamos fazer uma leitura de dois contos do livro Caligrafias. Neles, iremos encontrar um tema recorrente na literatura, o do discurso literário refletindo sobre si mesmo, sobre seus processos – metalinguagem ou metadiscurso.

Caligrafia

Adriana Lisboa

Alcançar primeiro com os olhos a mesa branca da varanda onde se esquece um caderno pautado em que se abortaram alguns resumos, pé ante pé, dissimuladamente, transpor o piso de cerâmica da sala, transpô-la, a sala, ato que se torna muito mais evidente e concreto na imagem dos pés sobre o piso de cerâmica, apoiar a mão direita com preciosismo (em nenhuma hipótese a esquerda) sobre uma cadeira-obstáculo que adormeceu no caminho, debruçar mais um sorriso sobre a capa do caderno onde se lê big explosion em caracteres irregulares e coloridas e se lembrar de que era o mais barato da papelaria, empunhar a caneta de tinta azul contra o canto superior esquerdo da primeira página disponível e observar que um traço quebra a sisudez das pautas nuas, desenvolver o traço em curvas e retas e círculos de acordo com as regras há muito assimiladas numa caligrafia dita elegante e satisfatoriamente legível, despejar no oco da página um monte delas, palavras, entrecortadas por suspiros virgulares e respirações profundas, mas, mais importante, tudo num único impulso que culmine na sombra só então possível de um ponto redentor, encerrando questões, enterrando ideias e imagens e simulacros, o ponto final da vitória ou da derrota, tanto faz, o ponto final depois de uma assepsia sem parágrafo ou ponto-e-vírgula, o ponto final que recolhe tudo o que sobrou e escorre frágil, o ponto final dos pulmões vazios e dos olhos marejados, o ponto final do fim.

A primeira reflexão se dará sobre a linguagem, alguns processos gramaticais, que, em última análise, são o material com que o escritor lida para obter os efeitos que pretende. Se prestarmos a atenção, veremos vários verbos no infinitivo, que vão do início até a linha 13, de “alcançar” até “despejar”. E isso não é sem intenção: o infinitivo é uma forma em que o verbo se apresenta atemporalmente, o que tornaria as ações não datadas, isto é, de certa forma, não pertencentes ao passado, ao presente ou ao futuro.
Há, porém, outro dado relevante: o infinitivo, no texto de Adriana, me parece ter o valor de imperativo, embora seu emprego, além dos dados anteriormente referidos, suavize o aspecto de imposição que a outra forma verbal poderia agregar. O texto se apresenta, desse modo, até quase o final, como um manual de criação literária, uma receita de fazer.
Mas não se prende à imparcialidade de um gênero textual desse tipo. Ao contrário, prevê, sobrepairando a esse aspecto, ações de um agente, uma narrativa anterior – um caderno pautado foi esquecido, resumos foram abortados etc. É impossível não se atentar para a eficácia emotivo-subjetiva do advérbio “dissimuladamente”.
E esse “manual” vai sugerindo ações de forma alguma práticas ou técnicas – “apoiar a mão direita com preciosismo (em nenhuma hipótese a esquerda)” ou “debruçar mais um sorriso sobre a capa do caderno...” –, indicando que sua função é a construção de um texto artístico. Essa construção fica à mostra na interpretação literária que faz para uma das mais corriqueiras definições gramaticais para o emprego da vírgula, qual seja, a indicação gráfica de uma pausa respiratória:”... palavras, entrecortadas por suspiros virgulares e respirações profundas...”. Os adjetivos do eu enunciador violentam, divinamente, a gravidade da gramática.
Ao final, depois da expressão “um ponto redentor”, as formas verbais introduzidas são dois gerúndios – “encerrando” e “enterrando” –, os quais iniciam duas orações com valor de orações adjetivas: um ponto redentor, que encerra questões e enterra ideias.
E aqueles “olhos marejados” estão ali a enfatizar o despertar das emoções, necessário à criação literária.

Pirotecnia

Adriana Lisboa

Um menino sonhou com fogos de artifício.
Anos mais tarde, ele descobriu que as palavras às vezes formavam versos. Tornou-se poeta e durante toda a vida quis relatar o itinerário daquele sonho de infância. Remexeu nos dicionários e encontrou a possibilidade de criar imagens híbridas como sereias ou manticórias(1). Versos que soavam como café fresco, que corrompiam como aguardante pura, que salvavam como um lírio branco.
Anos mais tarde, publicou sua coletânea de poemas. O último deles se chamava Os fogos paralelos e era seu projeto de vida levado a cabo: fogos de artifícios transformados em versos.
Anos mais tarde, certa leitora comprou a coletânea. Ao enveredar pelo último poema, percebeu que as palavras assumiam cores diferentes e brilhavam sobre o fundo negro da página branca, ofuscando as estrelas, e impregnavam todo o livro com um discreto cheiro de pólvora.

(1).No dicionário Caudas Aulete digital só há alusão à palavra “manticora”: “gr. Mantikhoras (animal fabuloso com corpo de leão e cabeça de homem)”. Acredito que seja esse animal a que o texto se refira.

No segundo conto, o discurso metalinguístico vem mais dissolvido numa narrativa, subliminarmente apresentado. Ainda assim, é claro o enfoque da luta travada pelo escritor para conseguir trazer para o texto o pensamento ou emoções que deseja. Obter das palavras que emanem “um discreto cheiro de pólvora” é magia pura, é transformar sentimentos em signos linguísticos, quer dizer, torcer um nível de realidade para outro, trabalho de Hércules a que o escritor se entrega, modesto e solitário, longe dos olhos do leitor. A ele só é dado o presente do “ponto final do fim”.

Convido o visitante:
1. a visitar meus trabalhos acadêmicos em "Páginas" (ver, à direita, depois de "Arquivo do blogue");
2. a ir ao site do Núcleo Interdisciplinar de Estudos da Mulher na Literatura (NIELM)/UFRJ por aqui.
3. a ver, ainda, minhas atualizações de hoje em meu blogue Poema Vivo (vá por aqui) e Conto-gotas (clique aqui).

O paraíso perdido - Palavras sobre palavras 21

2010-07-31T14:09:00.021-03:00

Eliane F.C.Lima

Nossa reflexão de hoje será sobre um tempo/espaço, normalmente, grato a todo ser humano, embora esse sentimento de felicidade já comece a ser considerado um mito. Vamos visitar alguns poetas e ver como esse tema se instaura.

Saudades

Narcisa Amália

Meus funerários gemidos
Vão legando à imensidade
Um vasto arcano – a tristeza
Um canto eterno – a saudade! ...
Carlos Ferreira

Tenho saudades dos formosos lares
Onde passei minha feliz infância;
Dos vales da dulcíssima fragrância
Da fresca sombra dos gentis palmares.

Minha plaga querida! Inda me lembro
Quando através das névoas do ocidente
O sol nos acenava adeus languente
Nas balsâmicas tardes de setembro;

Lançava-me correndo na avenida
Que a laranjeira enchia de perfumes!
Como escutava trêmula os queixumes
Das auras na lagoa adormecida!

Ai! Que seria do mortal aflito
Que tomba exangue à provação cruenta,
Se no marco da estrada poeirenta
Não divisasse os gozos do infinito ?!...

Eu era de meu pai, pobre poeta,
O astro que o porvir lhe iluminava
De minha mãe, que louca me adorava,
Era na vida a rosa predileta!

Mas...

... tudo se acabou. A trilha olente
Não mais percorrerei desses caminhos...
Não mais verei os míseros anjinhos,
Que aqueciam na minha a mão algente!

Correi, ó minhas lágrimas sentidas,
Do passado no rórido sudário
Bem longe está o cimo do Calvário
E já as plantas sinto tão feridas!...

Abrem-me n’alma as dores da saudade
Um sulco de profundas agonias...
Morreram-me pra sempre as alegrias...
Só me resta um consolo... a eternidade!

O texto de Narcisa Amália introduz como enfoque a infância, tema que, embora caro ao Romantismo, é constante na poesia de qualquer estilo de época, o que demonstra suas implicações com o psiquismo humano. Não é necessário muito conhecimento de psicologia para se perceber que, para as pessoas que passaram por essa fase de forma saudável, é preciso esclarecer, esse tempo passa a representar “o tempo do paraíso”, do qual se é expulso pela própria vida no tempo de adulto, quando a realidade, finalmente, nos bate à porta. Feliz ou não, a criança sempre tem uma visão bastante especial e imaginosa daquela realidade.

Nos poemas que têm como seu objeto a primeira parte da vida, há um entrosamento completo entre tempo e espaço, os dois como duas faces dessa época mágica, sem uma separação manifesta, pelo menos por esses sujeitos poéticos.

Nesse universo textual, estabelece-se uma oposição, de forma nítida, entre o “tempo/lugar paraíso” – a infância – e a “queda” – a idade adulta –, para se aproveitar a terminologia bíblica.

E me parece interessante trazer como argumento o pensamento de C. Gustav Jung (para ler sobre ele em outra postagem deste blogue clique), através das palavras de Murray Stein (Jung – o mapa da alma – Uma introdução. Trad. Álvaro Cabral. São Paulo: Cultrix /s.d./), lembrando que seu conceito de incesto foi o ponto de partida da ruptura entre o psicanalista e seu amigo Freud:

Freud viu no incesto um desejo inconsciente de possuir sexualmente a mãe real, num sentido literal. Jung, por outro lado, interpretou simbolicamente o incesto como um anseio geral de permanência no paraíso da infância. Tal anseio torna-se mais pronunciado quando uma pessoa enfrenta um assustador desafio na vida, crescer, adaptar-se a um meio propício ao estresse. A vontade é de subir na cama e tapar a cabeça com os lençóis. A “mãe” desejada converte-se, na interpretação simbólica de Jung, no desejo de regressar à dependência infantil, à infância, à inconsciência e irresponsabilidade. (pág. 66)

Na verdade, argumentou Jung, a sexualidade tem muito pouco a ver com incesto. O incesto é simbolicamente significante, não biologicamente desejado. (pág. 67)

O tema do sacrifício sobre o qual Jung se alonga na Psicologia do Inconsciente é uma peça central em seus pensamentos sobre o crescimento da consciência e as necessidades de desenvolvimento da maturidade pela personalidade humana. Tivessem os humanos que permanecer escravos do desejo e comportamento incestuosos, simbolicamente falando, não haveria movimento psíquico para fora da infância. O paraíso seria o lar. (pág. 67)

O desejo incestuoso de eterna infância tinha que ser sacrificado coletivamente nos tempos primordiais, e tem que ser sacrificado individualmente por toda a pessoa moderna, a fim de promover um movimento na consciência voltado para a aquisição de uma consciência cada vez maior. (pág. 67)

É o próprio Jung, que afirma em sua autobiografia:

Para mim, o incesto, só em casos extremamente raros, constitui uma complicação pessoal. Na maior parte dos casos, representa um conteúdo altamente religioso e é por este motivo que desempenha um papel decisivo em quase todas as cosmogonias e em inúmeros mitos. (Memórias, sonhos, reflexões. Reunidas e editadas por Aniela Jaffé. Trad. Dora Ferreira da Silva. Rio de Janeiro: Nova Fronteira. /s.d./pág. 149).

Infância

Cecília Meireles

Levaram as grades da varanda
por onde a casa se avistava.
As grades de prata.

Levaram a sombra dos limoeiros
por onde rodavam arcos de música
e formigas ruivas.

Levaram a casa de telhado verde
com suas grutas de conchas
e vidraças de flores foscas.

Levaram a dama e o seu velho piano
que tocava, tocava, tocava
a pálida sonata.

Levaram as pálpebras dos antigos sonhos,
deixaram somente a memória
e as lágrimas de agora.

Um lugar de delícias, onde se criavam os “antigos sonhos”: uma natureza presente, o entorno de uma casa de magia – casa de telhado verde, grutas de conchas, vidraças de flores foscas, uma dama, seu velho piano, a pálida sonata –, reconstituído pela memória.

Um tempo, onde todas as imagens são forjadas por uma imaginação que cria sua própria realidade. Ver que o verbo “levaram”, na terceira pessoa, sublinha um sujeito indeterminado, mas que se apresenta, contudo, como um agente concreto, culpado pela perda do paraíso. Essa personificação da ação do tempo tem muito da visão infantil, da não aceitação e incompreensão do abstrato.

A casa grande

Mário Quintana

… mas eu queria ter nascido numa dessas
[casas de meia-água
com o telhado descendo logo após as
[fachadas
só de porta e janela
e que tinham, no século, o carinhoso apelido
de cachorros sentados.
Porém nasci em um solar de leões.
(… escadarias, corredores, sótãos, porões,
[tudo isso...)
Não pude ser um menino da rua...
Aliás, a casa me assustava mais do que o
[mundo lá fora.
A casa era maior do que o mundo!
E até hoje
– mesmo depois que destruíram a casa grande –
até hoje eu vivo explorando os seus esconderijos...

Esse sujeito poético do texto de Quintana traz um novo aspecto a ser analisado: a casa da infância – “... a casa me assustava mais do que o mundo lá fora.” – já prenuncia o medo do adulto – atentar para os dois últimos versos do poema. É surpreendente o desejo que está escondido na metáfora de “casas de meia-água”, “só de porta e janela”: a pequenez do espaço afugenta, puro resguardo, todos os fantasmas e reproduz o ninho primitivo do ser humano, a proteção do útero. Mas, ainda aqui, é para esse “tempo idealizado” que se volta esse eu – “E até hoje...”.

Infância

Carlos Drummond de Andrade

A Abgar Renault

Meu pai montava a cavalo, ia para o campo.
Minha mãe ficava sentada cosendo.
Meu irmão pequeno dormia.
Eu sozinho menino entre mangueiras.
lia a história de Robinson Crusoé,
comprida história que não acaba mais.

No meio-dia branco de luz uma voz que aprendeu
a ninar nos longes da senzala – e nunca se esqueceu
chamava para o café.
Café preto que nem a preta velha
café gostoso
café bom.

Minha mãe ficava sentada cosendo
olhando para mim:
- Psiu...Não acorde o menino.
Para o berço onde pousou um mosquito.
E dava um suspiro... que fundo!

Lá longe meu pai campeava
no mato sem fim da fazenda.

E eu não sabia que minha história
era mais bonita que a de Robinson Crusoé.

Orfandade

Adélia Prado

"Meu Deus,
me dê cinco anos.
Me dê um pé de fedegoso com formiga preta,
me dê um Natal e sua véspera,
o ressonar das pessoas no quartinho.
Me dê a negrinha Fia pra eu brincar,
me dê uma noite pra eu dormir com minha mãe.
Me dê minha mãe, alegria sã e medo remediável,
me dê a mão, me cura de ser grande.
Ó meu Deus, meu pai,
meu pai."

Nos dois últimos poemas – chamemos a atenção de que Adélia Prado é a única poeta ainda viva do grupo aqui postado –, a presença da mãe carinhosa e protetora se explicita, ecoando o pensamento de Jung.
Para o sujeito drummoniano, essa figura materna – é impossível não se reparar no pai posto, desde o início do poema, “Lá longe...” – se duplica na “preta velha” ou em “uma voz que aprendeu a ninar...”, lindíssima metonímia construída. E os adjetivos “gostoso” e “bom” vão abrindo caminho para o final do poema.

Porém, se a adjetivação máxima de Narcisa Amália – “formosos lares”, “feliz infância”, “dulcíssima fragrância”, “gentis palmares”, “plaga querida”, “balsâmicas tardes” – é evitada por um escritor do Modernismo, é interessante se atentar para o recurso usado: se a história de Robinson Crusoé, para o sujeito menino reconstituído pela memória, tem o mesmo valor de todos os adjetivos usados no primeiro poema, imagine-se a história de sua infância que “... era mais bonita que a de Robinson Crusoé”. Por um caminho diverso, chega-se à mesma louvação da fase de criança.
O texto de Adélia é a culminância do desejo de negação da idade adulta. Os versos “... me dê uma noite pra eu dormir com minha mãe./Me dê minha mãe, alegria sã e medo remediável” correspodem, em uma linguagem poética, ao primeiro trecho de Murray Stein, acima transcrito, com perfeição. Em “me cura de ser grande” o sujeito lírico, obsessivamente, manifesta-se já na linguagem infantil, da qual se apropria, tal é sua aspiração da volta ao paraíso – "Meu Deus,/me dê cinco anos.”

Podemos ponderar que, individualmente, me parece, o ser humano não abandonou inteiramente esse desejo simbólico de incesto – refiro-me aqui àquele “anseio geral de permanência no paraíso da infância”, tão bem descrito acima –, o que transparece, ao longo dos vários períodos literários, escondendo-o apenas socialmente. A cada novo susto, no entanto, a época de refúgio e aconchego volta a povoar seu imaginário.

Clique aqui para visitar Conto-gotas e aqui para visitar Poema Vivo.

2010-07-24T18:24:00.002-03:00

Eliane F.C.Lima

Minhas postagens, neste blogue, envolvem uma pesquisa, como garantia de qualidade e têm como objeto escritoras (es) que merecem admiração por seu talento e importância. Cada uma delas tem direito, portanto, a um tempo maior de visita e reflexão. Desse modo, passo a postá-las de quinze em quinze dias pelo respeito que merecem.

O outro... multidão - Literatura de ontem 14

2010-07-18T13:03:00.018-03:00

Eliane F.C.Lima

Hoje vou focalizar o tema “o outro”, através de alguns movimentos literários. Já há muito tempo a psicanálise descreveu a formação de um “eu”, em cada indivíduo, diante da constatação do “outro”.
Em minha análise, pesquisei e encontrei esse “outro”, inicialmente, equacionado como “mundo” ou “multidão”, sob o olhar de um sujeito que com ele se defronta. Esse traço, que marca a separação entre ambos, está presente na sensação de estranhamento no olhar em volta, na solidão, responsável por quase todas as desventuras que marcarão a fuga que empreende tal sujeito para dentro de si mesmo, surpreendentemente, tanto no Romantismo, o que é uma marca de seu programa poético, como no Modernismo.

Serão focalizados, de início, dois casos desse "eu" – Narcisa Amália (romântica) e Drummond (modernista) –, o qual se apropria do discurso, que se constrói, portanto, subjetivamente.

Para começar, devo, então, apresentar a poeta, desconhecida do cidadão comum, em comparação com Gonçalves Dias ou Casimiro de Abreu, por exemplo. A explicação é direta: sua condição de mulher. Tendo empreendido uma luta para ser reconhecida em sua época, o futuro foi pelo mesmo caminho, sendo ignorada por quase todas as antologias. Em 1999, porém, a doutora em Ciência da Literatura pela UFRJ Christina Ramalho lança o livro Um espelho para Narcisa: reflexos de uma voz romântica, Ed. Elo, dando visibilidade à poeta. A ela dediquei um trabalho de curso na mesma UFRJ.

Imagem Google e Centro Cultura Narcisa Amália em
S.J. da Barra. Agradeço ao site
"Kamila Viagens" a segunda foto (clique aqui)

Vejamos, resumidamente, sua biografia.

Nascida em 1852,(São João da Barra – 1924/Rio de Janeiro), a poeta Narcisa Amália era filha de Narcisa Inácio de Campos e do poeta Jacome de Campos. Já aos quatorze anos estava casada, tendo se separado do primeiro marido algum tempo depois.
Publica em 1872 seu livro de poesias Nebulosas, cuja autoria é contestada por Múcio Teixeira, tendo corrido na época a versão de que o autor era um poeta que se aproveitara de seu nome. Justifica-se, no entanto, que tal hipótese tenha sua origem em declaração do segundo marido descontente e tenha achado terreno fértil na concepção cultural da época sobre a mulher.
Recebia em sua casa, para saraus, nomes literariamente importantes como Raimundo Correia. Até o próprio D. Pedro II a quis conhecer, embora fosse abolicionista e republicana convicta. Apesar dessa larga aceitação é desconsiderada pelo cânone, até hoje, e foi, mesmo na época, reconhecida por uns poucos antologistas que a citam – Edgar Cavalheiro e Péricles Ramos – como pertencente à terceira geração romântica, embora sua poesia tenha muito do subjetivismo e desilusão da segunda, haja vista o título de algumas como “Amargura”, “Desengano”, “Desalento”, “Saudades”, que enfocam os temas dessa fase.
Tendo publicado apenas Nebulosas (Poesia), 1872 e Nelúmbia (Conto), 1874, trabalhou como escritora em jornais – primeira mulher a se profissionalizar nessa área –, numa atividade social e até política, em defesa da condição da mulher.
Vale a pena se ler uma referência a ela feita por nada menos que Machado de Assis, em um de seus artigos na Revista "A marmota", em 1858:

“A poesia do Sr. Ezequiel Freire não tem só o lirismo pessoal, — traz uma nota de humorismo e de sátira; e é por essa última parte que o podemos ligar ao Sr. Artur Azevedo. As Flores do Campo, volume de versos dado em 1874, tiveram a boa fortuna de trazer um prefácio devido à pena delicada e fina de D. Narcisa Amália, essa jovem e bela poetisa, que há anos aguçou a nossa curiosidade com um livro de versos, e recolheu-se depois à turris eburnea da vida doméstica. Resende é a pátria de ambos; além dessa afinidade, temos a da poesia, que em suas partes mais íntimas e do coração, é a mesma. Naturalmente, a simpatia da escritora vai de preferência às composições que mais lhe quadram à própria índole, e, no nosso caso, basta conhecer a que lhe arranca maior aplauso, para adivinhar todas as delicadezas da mulher. Dona Narcisa Amália aprova sem reserva os "Escravos no Eito", página da roça, quadro em que o poeta lança a piedade de seus versos sobre o padecimento dos cativos. Não se limita a aplaudi-lo, subscreve a composição. Eu, pela minha parte, subscrevo o louvor; creio também que essa composição resume o quadro.”
(In Machado de Assis – obra completa, (Org. Afrânio Coutinho). Rio de Janeiro: Nova Aguilar S.A., 1992, Biblioteca Luso-Brasileira, Série Brasileira, V.3, pág. 832)
Para aprofundar a leitura sobre ela e ver os absurdos falocêntricos ditos então, aconselho a clicar aqui e voltar, no site, para a página 419. A leitura é de arrepiar e imperdível. No blogue "Viva a geologia" (vá por aqui), há muita referência à escritora, incluisve, ligando-a a Chico Xavier.
Vamos aos textos:

Amargura

Narcisa Amália

(...)

Já tive, como todos, meus enlevados sonhos,
Senti tingir-me a face a púrpura do enleio;
E o coração pulsou-me um dia entre delícias
Fazendo arfar o seio.
(...)

Ai! cedo esvaeceu-se a frívola miragem,
E fugitiva, rápida, desfez-se essa ilusão;
Apenas hoje sangra e estua-me sem vida,
O gélido coração.

(...)

O mundo que me vê passar sem um sorriso,
Não vê do meu tormento o horrendo vendaval!
Ele que acolhe e afaga o venturoso, entrega
O triste à lei fatal!...
(...)

Meu Deus! Por que embalar-me o quedo pensamento
Se amor é passageiro, se as glórias são de pó?!
Poetisa – torno a lira às linfas da descrença,
E a ti me volvo só.

Bondoso abre-me os braços, reúne-me a teus anjos,
A eterna ventura almejo palpitante;
Contemplarei o – nada – do seio das estrelas,
Das dores triunfantes.

Desengano

Narcisa Amália

Antes d’espirar el dia
Vi morir a mi esperanza.
Zaraté

Quando resvala a tarde na alfombra do poente
E o manto do crepúsculo se estende molemente;
Na hora dos mistérios, dos gozos divinais,
Despedaçam-me o peito martírios infernais;
E sinto que, seguindo uma ilusão perdida,
Me arqueja, treme e expira a lâmpada da vida!

Feriu-me os olhos tímidos o brilho da esperança;
A luz do amor crestou-me o riso de criança;
E quando procurei - sedenta – uma ventura,
Aberta vi a face voraz da sepultura!...
Dilacerou-me o seio, matou-me a crença bela,
O tufão minador de hórrida procela!

Então, pálida e triste, alcei a fronte altiva
Onde se estampa a dor tenaz que me cativa;
Sorvi na taça amarga o fel do sofrimento,
E a voz queixosa ergui num último lamento:
Era o cantar do cisne, o brado da agonia...
E a multidão passou soberba, muda e fria!
( ... )

Poema de sete faces

C. Drummond de Andrade

(…)
O homem atrás do bigode
é sério, simples e forte.
Quase não conversa.
Tem poucos, raros amigos
o homem atrás dos óculos e do bigode.

Meu Deus, por que me abandonaste
se sabias que eu não era Deus,
se sabias que eu era fraco.

Mundo mundo vasto mundo
se eu me chamasse Raimundo
seria uma rima, não seria uma solução.
Mundo mundo vasto mundo,
mais vasto é meu coração.

Eu não devia te dizer
mas essa lua
mas esse conhaque
botam a gente comovido como o diabo.

Mundo grande

C. Drummond de Andrade

Não, meu coração não é maior que o mundo.
É muito menor.
Nele não cabem nem as minhas dores.
Por isso gosto tanto de me contar.
Por isso me dispo,
por isso me grito,
por isso freqüento os jornais, me exponho cruamente nas livrarias:
preciso de todos.
Sim, meu coração é muito pequeno.
Só agora vejo que nele não cabem os homens.
Os homens estão cá fora, estão na rua.
A rua é enorme. Maior, muito maior do que eu esperava.
Mas também a rua não cabe todos os homens.
A rua é menor que o mundo.
O mundo é grande.
(…)

Mas esse sentimento de que há um hiato entre si e “o outro” e o desejo de mesmo, aparentemente, diminuir essa lacuna pode estar sob um terceiro olhar, externo a tal “eu”. E se naquele de “Mundo grande” o traço da oposição está na apartação dos homens de seu coração, nos dois sonetos abaixo, parnasianos, essa distância traz desdobramentos intensos. Os dois iniciais são de Raimundo Correia (1859-1911), que é, junto a Olavo Bilac e Alberto de Oliveira, um dos mais destacados poetas do parnasianismo e autor de belos poemas de cunho filosófico, como os abaixo. A Cadeira 5 da Academia Brasileira de Letras deve a ele sua fundação. Para informaçôes complementares, remeto à “Revista Agulha”, bastando clicar aqui.

Mal Secreto

Raimundo Correia

Se a cólera que espuma, a dor que mora
N'alma, e destrói cada ilusão que nasce,
Tudo o que punge, tudo o que devora
O coração, no rosto se estampasse;

Se se pudesse o espírito que chora,
Ver através da máscara da face,
Quanta gente, talvez, que inveja agora
Nos causa, então piedade nos causasse!

Quanta gente que ri, talvez, consigo
Guarda um atroz, recôndito inimigo,
Como invisível chaga cancerosa...

Quanta gente que ri, talvez existe,
Cuja ventura única consiste
Em parecer aos outros venturosa!

Mal Secreto

Raimundo Correia

Se em muita fronte que parece calma,
Se em muito olhar que límpido parece;
Se pudesse notar, ler se pudesse,
Tudo o que n'alma existe e vive n'alma!

Entre essa paz fictícia que se espalma
No rosto, a inveja, raro transparece;
Ela que à glória alheia se enraivece,
E que às alheias lágrimas se acalma.

Alma, vítima dessa enfermidade!
Mal sabes que à dos outros sendo adversa,
Tu és adversa à própria f'licidade!

A inveja os risos todos te dispersa:
Menos ódio merece que piedade,
Porque és mais insensata que perversa.

Em ambos os textos, de mesmo tema, um discurso em terceira pessoa faz de uma falta, que marca uma subjetividade em face de um “outro”, seu objeto, como se comprova, no primeiro “Mal secreto”, no “recôndito inimigo” e, no segundo, a descoberta felicidade alheia. Vê-se, inclusive, que essa alteridade é assumida até pelo depositário do discurso – “... que inveja agora/ Nos causa, então piedade nos causasse!” (grifo meu).
E, nos dois, a realçar oposições, o ódio, a inveja. E esse sujeito observado pretende, pelo menos simuladamente – flagrado em “em parecer”, no primeiro soneto e em “paz fictícia”, no segundo –, diminuir essa falta, que, como se vê, só se concretiza na aparência.

Nosso estudo do “eu X outro” vai percorrer, no texto a seguir, caminhos até então não percorridos, principalmente, pela imaterialidade do que virá. Se até então o antagonismo tornava bem explícito “o outro” e o “eu”, quer em discurso próprio, quer em terceira pessoa, agora, revestido de uma sutileza quase impalpável, o leitor tem de estar bem atento para identificar nossos dois elementos. O texto é de Vicente de Carvalho, parnasiano, que se não faz parte da tríade literária acima enunciada, foi tão conhecido, quanto os outros três (para aprofundar informações, remeto ao site “Biblio.com.br”, indo por aqui)

Vamos conhecer o poema:

A Invenção do Diabo

Vicente de Carvalho

Deus, entregando ao Diabo a metade do mundo,
Deu-lhe a parte pior, como era de razão;
E, para arrecadar seu patrimônio, o Imundo
Foi forçado a varrer todo o cisco do chão.

Tomando para si todo o imenso tesouro
Da Bondade e da Luz, do Amor e da Harmonia,
Pode o Senhor fazer esbanjamento de ouro
Nas estrelas da noite e no esplendor do dia.
(...)

A Satanás, porém, coube em partilha a treva,
O ódio como prazer, como covil um poço,
E ele lá no seu reino escuro a vida leva
De um cão magro a que dão muita pancada e um osso.
(...)

Só uma vez Satã respirou satisfeito,
E arregaçou-lhe o beiço um pérfido sorriso:
Quando, acaso, ao sair do seu covil estreito,
De repente se achou dentro do Paraíso.

A primeira impressão que teve foi de inveja:
Daquele estranho quadro o imprevisto esplendor,
Só lhe pode arrancar à boca malfazeja
Uivos de cão ferido, imprecações de dor.

Mas, de repente, como o corisco clareia
O tenebroso céu nas borrascas de agosto,
Uma ideia triunfante, uma sinistra ideia,
Fuzilou-lhe no olhar e iluminou-lhe o rosto.

Sobre um macio chão todo em musgos e rosas,
Eva, formosa e nua, adormecera ao luar:
E sobre a alva nudez dessas formas graciosas
Satã deixou cair um desdenhoso olhar...

Mas num sonho talvez de cousas ignoradas,
Num desejo sem alvo, imperfeito e indeciso,
Eva os lábios abriu – e abriram-se, orvalhadas,
De um suspiro de amor, as rosas de um sorriso.

Espantado, Satã viu que esse mármore era
Animado e gentil, ardente e encantador;
Como um resumo viu de toda a primavera
Na frescura sem par daquela boca em flor.

E foi somente então que o Príncipe da Treva
Imaginou o Amor furioso e desgrenhado,
E resolveu fazer dos róseos lábios de Eva
O cálix consagrado às missas do Pecado.

Lábios feitos de mel, de rosas ao sereno,
De céu do amanhecer franjado em rosicler...
Entreabriu-os Satã, e enchendo-os de veneno,
Sorriu. Tinha inventado o beijo da mulher.

Está claro que não foi sem prurido que postei o texto acima, achado, bem como Raimundo Correia, em DUQUE-ESTRADA, Osório. Tesouro poético brasileiro, 2 ed.. Rio de janeiro/São Paulo: Livraria Francisco Alves, 1926. Mas negá-lo seria ignorar a realidade, pelo menos do século XIX.
A poesia, narrativa, é conduzida por um discurso, à primeira vista, feito em terceira pessoa também. Mas a Análise do discurso já nos ensinou a encontrar a subjetividade onde menos se imagina. E a ressaltar que subjetividades sempre correm em um leito ideológico. E aí é que está a questão.
Vejamos apenas alguns de seus traços: o enunciador, dentro da dicotomia Deus/Diabo, vai assumindo uma posição em favor do primeiro – “Deu-lhe a parte pior, como era de razão”–, claras desde os atributos com que descreve o segundo: “o Imundo”, “pérfido sorriso”, “boca malfazeja”.
Já podemos, nesse caso, identificar um “eu”, que se coloca como masculino – o final do poema encaminha para isso – e, portanto, posso nomear como coletivo. Percebe-se isso naquele “beijo da mulher”, invenção do Diabo diz o título, criado para tentar qualquer “eu” masculino e comprometido com o divino. E que tem Deus a seu lado, o que, convenhamos, não é pouco. Isso dava o grande poder aos faraós. Do lado oposto um Diabo, que arrebata Eva do Paraíso.
É preciso salientar que, no texto literário, mais gravemente que no bíblico, não há serpente a tentar a mulher e seu pecado faz parte de sua substância, como se pressente em “num sonho talvez de cousas ignoradas”, “desejo sem alvo, imperfeito e indeciso”, nos lábios que abrem, com um suspiro já de amor – pasmem! - as rosas de um sorriso. E ela é toda descrita como sedução: “formosa e nua”, “a alva nudez dessas formas graciosas”, “boca em flor”,“róseos lábios”, “Lábios feitos de mel”. Foi o semblante de Eva que tornou Satã espantado e deu a ele a ideia, meio encantado ele próprio.

O adjetivo da antepenúltima estrofe “ardente” – que arde, que está em chamas – referente a mármore, o corpo de Eva, não é uma escolha qualquer. Eva era já pura lascívia. O “veneno”, que o Diabo lhe colocou nos lábios, era apenas uma segurança a mais, é permitido supor. E assim, marcada com o sinal da malignidade, que já é sua própria essência, segundo o texto, a Mulher é transformada, para sempre, no “outro”.

Os arranjos no tempo de Zulmira R. Tavares - Literatura, já 16/Palavras sobre palavras 20

2010-07-10T13:59:00.008-03:00

Eliane F.C.Lima

Faço hoje a segunda postagem sobre um texto de Zulmira Ribeiro Tavares, agradecendo ao Google a imagem. No final de meu comentário, coloco um link para quem quiser ler a outra. Ali também há uma breve biografia sobre a escritora.

Arranjos no tempo

Em um canto do jardim o menino escondido dentro da moita espiona a casa.

Dentro da sala, o avô cabeceia na poltrona e procura a sua infância com dedos sonolentos arranhando a manta xadrez. A infância lhe aparece como certa moita com um menino dentro. O passado é um ovo verde e folhudo guardando um menino espião da vida.

Na cozinha a mulher bate as chinelas no chão, bate as panelas, taramela com os restos do sol que entram – o nariz virado para o poente.

Do outro lado da cidade estão enterrados há tempo pai e mãe. Os ossos limpos foram guardados em gavetas como os talheres depois da última refeição serão limpos e guardados.

A mulher logo irá chamar para a mesa. O avô então vai dar um pulo da poltrona, ficar muito esperto e esfomeado. O ovo verde da infância vai se quebrar e de dentro saltar o menino pronto para abrir a boca enorme e comer de tudo; e ficar depressa comprido como o futuro, onde moram o avô da poltrona e a mulher das panelas.

Mastigarão calados e irão escutar a mastigação um do outro até o fim. A mulher vai taramelar com os pratos sujos, vai olhar para a lua subindo na janela, vai lavar os talheres em muitas águas.

Limpos, os talheres serão guardados nas gavetas como os ossos foram guardados depois que pai e mãe os abandonaram.

Em mais de uma água os dias e as noites serão levados aos poucos para o outro lado da cidade – com o menino, o avô, a mulher, a moita, a poltrona, as panelas; a própria casa vai se soltar e atravessar a distância atrás deles todos.

(TAVARES, Zulmira R.. Cortejo em abril: ficções. São Paulo: Companhia das Letras, 1998).

O texto se inicia por um "menino escondido dentro da moita". O segundo parágrafo, porém, trata de reduzir esse menino à sua condição onírica, memória do passado do "avô", embora o verbo no presente – “espiona” – o resgate desse tempo ido. E ele aparece muito vivo e ainda atuante – “O ovo verde da infância vai se quebrar e de dentro saltar o menino pronto para abrir a boca enorme e comer de tudo".
Não é à toa, então, o título: mais velho do que o "avô", porque veio ao mundo antes dele – o chamar de "avô" introduz uma ambiguidade no texto e leva o leitor a acreditar no "menino" como terceira personagem da casa –, pertencente a um tempo que se foi, ele consegue trazer sua infância até o presente. E tal tempo, então, ainda se guarda como "um ovo verde e folhudo". E esse menino insiste em "espionar" a casa e, principalmente, a vida, não rendido, não ido. Apresenta-se sempre que lhe é possível. Ele é, na verdade, testemunha de que o velho está vivo. Sua existência está intersecionada a do outro.
Os "arranjos do tempo", entretanto, não se dão apenas no nível da narrativa, realizam-se mais ainda na linguagem. Atentemos para que o fato de que o texto está dividido em oito parágrafos, os quatro iniciais com verbos no presente. Só pertencem ao passado – “foram guardados” – os "ossos limpos" do pai e da mãe, os quais, mesmo assim, hoje, "estão enterrados".
Os quatro parágrafos finais levam ao futuro, que parece ser o tempo da realização. Na verdade, me parece ser o tempo padrão, o tempo do menino, o qual, não sendo passado, nem presente, é o futuro, em que será "o avô da poltrona", morando com a mulher, sem sua ilusória vida de presente. É o futuro, enfim, nesse jogo com os outros tempos, que os reunirá, a todos, aos ossos de pai e mãe, "no outro lado da cidade".

Para ver o texto anterior da talentosa escritora e a respectiva análise, clique aqui)

"Coisa de homem" - Palavras sobre palavras 19

2010-07-04T11:45:00.017-03:00

Eliane F.C.Lima

Resolvi, neste 4 de julho, fazer uma brincadeira e pegar também o tema “coisa de homem”, dessa vez dando voz aos poetas. E escolhi textos, cujo foco sempre é uma presença de mulher sob essa visão masculina. E, como veremos, os revelados são eles. Pena que a pesquisa, pelo pouco tempo disponível entre os dois domingos, não pudesse ser mais abrangente. Talvez surpresas maiores pudessem surgir.

Relatividade da mulher amada

Murilo Mendes

Eu gosto de você com uma força bruta que não
[entendo bem.
Gosto quase tanto como de mim.
Mas que pena você não ser também minha filha.
Que pena você não ser minha filha, minha irmã e
[minha mãe, tudo ao mesmo tempo.
(Poesia. Rio de janeiro: Agir, 1983.
Coleção Nossos Clássicos)

O “que pena você não ser”, nessa relação amorosa, chamou, imediatamente, minha atenção: o eu lírico desejoso de um ser amado que não existe. Inicialmente, ele ainda admite um “também” (3o verso), que resguarda a condição amorosa e sexual de sua amada. Mas, no verso seguinte, a eliminação do “também”, prende-se aos três itens familiares, ao fechar o poema. E a mulher, em sua condição de amada, é mais do que relativizada – ver o título – é anulada.
Uma mulher, em uma relação amorosa, deveria preencher, exatamente, aquelas lacunas deixadas por uma filha, uma irmã, uma mãe para um homem adulto. Mas, aqui, o desejo vai, exatamente, no caminho contrário. A incompletude da mulher desejada a ser satisfeita por facetas não desejáveis. Ou há, em sua procura, o desejo da certeza, da proteção, da segurança do amor da filha, da irmã, da mãe?

Mulher

Murilo Mendes

Mulher, o mais terrível e vivo dos espectros,
Por que te alimentas de mim desde o princípio?
Em ti encontro as imagens da criação:
És pássaro e flor, pedra e onda variável...
E, mais que tudo, a nuvem que volta e se consome.
Dormir, sonhar – que adianta, se tu existes?
Se fosses forma, somente! És ideia também.
Ah, quando descerá sobre mim a paz antiga.
(Poesia. Rio de janeiro: Agir, 1983.
Coleção Nossos Clássicos)

Observemos os dois primeiros versos: ali ressalta o atributo “terrível” para mulher e a expressão “te alimentas de mim”, que não é esclarecido ao longo do poema, embora pareça um ser obsessivamente presente para esse eu lírico. Por quê? Peço a quem lê que traga esses dois elementos, quando ler o segundo poema a seguir.
Observemos, ainda, o desejo claro: “Se fosses forma, somente.” É preciso chamar a atenção para o fato de esse verso poder ser lido de dois modos diferentes: “Se me atraísses apenas fisicamente, mas estás presente também em meu pensamento.” Ou ainda: “Se fosses apenas uma forma de beleza, mas pensas também”, o que, cá entre nós, seria bem preocupante. Em nome da paz, fico com a primeira opção. No entanto temos, de novo, a não satisfação plena em relação à mulher.

A esposa

Vinicius de Moraes

Às vezes, nessas noites frias e enevoadas
Onde o silêncio nasce dos ruídos monótonos e
[mansos
Essa estranha visão de mulher calma
Surgindo do vazio dos meus olhos parados
Vem espiar minha imobilidade.
E ela fica horas longas, horas silenciosas
Somente movendo os olhos serenos no meu rosto
Atenta, à espera do sono que virá e me levará com ele.
Nada diz, nada pensa, apenas olha – e o seu olhar
[é como a luz
De uma estrela velada pela bruma.
Nada diz. Olha apenas as minhas pálpebras que
[descem
Mas que não vencem o olhar perdido longe.
Nada pensa. Virá e agasalhará minhas mãos frias
Se sentir frias suas mãos.
Quando a porta ranger e a cabecinha de criança
Aparecer curiosa e a voz clara chamá-la num reclamo
Ela apontará para mim pondo o dedo nos lábios
Sorrindo de um sorriso misterioso
E se irá num passo leve
Após o beijo leve e roçagante...
Eu só verei a porta que se vai fechando
[brandamente...
Ela terá ido, a esposa amiga, a esposa que eu
[nunca terei.
(Vinicius de Moraes – Obra poética – Rio de Janeiro:
Cia José Aguilar)

Aqui temos, de novo, uma mulher sonhada, idealizada. Até o 17o verso, essa mulher, me parece, tem uma atitude inteiramente maternal em relação ao eu lírico e esse devolve-lhe uma atitude, correspondentemente, infantil, embora o título do poema seja “esposa”. É intrigante o trecho “Virá e agasalhará minhas mãos frias/Se sentir frias suas mãos.”, cuidados, todos nós lembramos bem, dignos de mãe.
A partir de “Quando a porta ranger... “, pode-se imaginar a mãe que sai para o “reclamo” de um outro filho.
E a conclusão também é intrigante: “... a esposa que eu nunca terei.” Por quê? É impossível a gente não retornar àquele “Que pena você não ser” do primeiro poema de Murilo Mendes. Ainda em Vinicius, há um eu que sonha com uma esposa/mulher que não corresponde à realidade. Ou que tem expectativas, no mínimo, sui generis.

Poema para todas as mulheres

Vinicius de Moraes

No TEU BRANCO SEIO eu choro.
Minhas lágrimas descem pelo teu ventre
E se embebedam do perfume do teu sexo.
Mulher, que máquina és, que só me tens desesperado
Confuso, criança para te conter!
Oh, não feches os teus braços sobre a minha
[tristeza, não!
Ah, não abandones a tua boca à minha inocência, não!
Homem sou belo
Macho sou forte, poeta sou altíssimo
E só a pureza me ama e ela é em mim uma cidade e
[tem mil e uma portas.
Ai! teus cabelos recendem à flor da murta
Melhor seria morrer ou ver-te morta
E nunca, nunca poder te tocar!
Mas, fauno, sinto o vento do mar roçar-me os braços
Anjo, sinto o calor do vento nas espumas
Passarinho, sinto o ninho nos teus pelos...
Correi, correi, ó lágrimas saudosas
Afogai-me, tirai-me deste tempo
Levai-me para o campo das estrelas
Entregai-me depressa à lua cheia
Dai-me o poder vagaroso do soneto, dai-me a iluminação
[das odes, dai-me o cântico dos cânticos
Que eu não posso mais, ai!
Que esta mulher me devora!
Que eu quero fugir, quero a minha mãezinha, quero
[o colo de Nossa Senhora!
(Vinicius de Moraes – Obra poética – Rio de Janeiro:
Cia José Aguilar)

No segundo poema de Vinicius, o título “Poema para todas as mulheres” elimina uma mulher definida, única, como interlocutora do eu poético e nos remete, de novo, para uma imagem geral de mulher. E agora esse “Confuso, criança” eu lírico não deixa mais dúvidas, mesmo com o “Homem sou belo/ Macho sou forte, poeta sou altíssimo” adiante.
Se no poema anterior do mesmo poeta, uma “imobilidade” assexuada, compatível com o sentimento de filho, caracterizava o ser enunciador, no segundo, a luxúria, que se acaso vislumbrou, acorda do fundo do inconsciente desse eu, uma imagem castradora e punitiva: “Que eu não posso mais, ai!/Que esta mulher me devora!”. E parece impossível a quem lê não se lembrar dos versos “Mulher, o mais terrível e vivo dos espectros,/Por que te alimentas de mim desde o princípio?”, no segundo poema de Murilo Mendes.
Esse ser feminino aponta para o que em psicologia se chama a “Mãe terrível” –“Que esta mulher me devora!” –, que é uma imagem negativa do arquétipo da mãe, segundo o estudioso da mente C. G. Jung, e que pode surgir, como imagem, nos sonhos, mitos e contos... e poemas masculinos, agora constatamos. A Medusa é um exemplo típico dessa faceta negativa da mulher/mãe devoradora.
E é em sua contraparte positiva - “... quero a minha mãezinha” –, maximizada na imagem espiritual – “... quero o colo de Nossa Senhora! –, desejoso de reconciliação com a imagem materna e com sua consciência, que esse eu lírico se refugia.

Desdobramento de Adalgisa

C. Drummond de Andrade

Os homens preferem duas.
Nenhum amor isolado
habita o rei Salomão
e seu amplo coração.
Meu rei, a vossa Adalgisa
virou duas diferentes
para mais a adorardes.
Sou loura, trêmula, blândula
e morena esfogueteada.
Ando na rua a meu lado,
colho bocas, olhos, dedos
pela esquerda e pela direita.
Alguns mal sabem escolher,
outros misturam depressa
perna de uma, braço de outra,
e o indiviso sexo aspiram,
Como se as duas fossem uma,
quando é uma que são duas.

Adalgisa e Adaljosa,
parti-me para vosso amor
que tem tantas direções
e em nenhuma se define
mas em todas se resume.
Saberei multiplicar-me
e em cada praia tereis
dois, três, quatro, sete corpos
de Adalgisa, a lisa, fria
e quente e áspera Adalgisa,
numerosa qual Amor.
(...)

Sou Adalgisa de fato,
pensais que sou minha irmã
ou que me espelho no espelho.
Amai-me e não repareis!
Uma Adalgisa traída
presto se vinga da outra.
Eu mesma não me limito:
se viro o rosto me encontro,
quatro pernas, quatro braços,
duas cinturas e um
só desejo de amar.
Sou a quádrupla Adalgisa,
sou a múltipla, sou a única
e analgésica Adalgisa.
Sorvei-me, gastai-me e ide.
Para onde quer que vades,
o mundo é só Adalgisa.
(C. D. Andrade - Reunião:10 livros de poesia, 9. ed. Rio de Janeiro:
J.Olympio,1978)

Aqui, um discurso malandramente construído, dá voz a uma mulher. “Os homens preferem duas.” é Adalgisa quem diz. É ela, esse eu poético feminino, quem vai, por sua conta e risco, emitindo seus conceitos e caracterizações a respeito dos homens: “Alguns mal sabem escolher,/outros misturam depressa/perna de uma, braço de outra... ”.
Impossível, contudo, não reparar nessa Adalgisa, que desdobrada, é vista, ainda, como uma só em todas, retornando à velha concepção de mulher única, de "alma feminina", como se as mulheres também não fossem plurais.

A mulher e a casa

J. Cabral de Melo Neto

Tua sedução é menos
de mulher do que de casa;
pois vem de como é por dentro
ou por detrás da fachada.

Mesmo quando ela possui
tua plácida elegância,
esse teu reboco claro,
riso franco de varandas,

uma casa não é nunca
só para ser contemplada;
melhor: somente por dentro
é possível contemplá-la.

Seduz pelo que é dentro,
ou será, quando se abra;
pelo que pode ser dentro
de suas paredes fechadas;

pelo que dentro fizeram
com seus vazios, com o nada;
pelos espaços de dentro,
não pelo que dentro guarda;

pelos espaços de dentro:
seus recintos, suas áreas,
organizando-se dentro
em corredores e salas,

os quais sugerindo ao homem
estâncias aconchegadas,
paredes bem revestidas
ou recessos bons de cavas,

exercem sobre esse homem
efeito igual ao que causas:
a vontade de corrê-la
por dentro, de visitá-la.
(J. C. M. Neto - Antologia poética -4. ed. Rio de Janeiro, J. Olympio,
1978)

É o poema de Cabral, obra de rara beleza, que redime o discurso desses eus masculinos sobre as mulheres, nessa sua imagética tão concreta, que é a mais marcante característica do escritor, criando-lhe uma metáfora inédita e magnífica: mulher/casa.

E lindamente afirma que “uma casa não é nunca/ só para ser contemplada”. Valoriza-se, mais do que a “fachada”, o por dentro, vocábulo que aparece no poema nove vezes, três em uma só estrofe, numa franca ênfase ao interior de uma mulher, que tanto pode ser uma visitação física, no sentido sexual, quanto naquilo que um ser tem em seu interior. E a gente, finalmente, se apazigua daquele lamento do eu lírico do segundo poema “Se fosses forma, somente! És ideia também.”
E é um eu seguro, tranquilo, homem adulto, afinal, que confessa “a vontade de corrê-la/ por dentro, de visitá-la.”